Dazeworld. The Artwork of Chris “Daze” Ellis. Chris “Daze” Ellis. 2016

Die Welt von Daze war schon immer dynamisch – ihre Energie speist sich aus den Gleisen, Tunneln und Straßen, die einst den Puls von New York City bestimmten. Dazeworld: The Artwork of Chris „Daze“ Ellis fängt diese Energie aus vier Jahrzehnten seines Schaffens ein und dokumentiert seine Entwicklung vom jugendlichen Graffitikünstler zum etablierten Maler und Mentor. Die von Schiffer herausgegebene 168-seitige Monografie versammelt über 250 Fotos – viele davon bisher unveröffentlicht –, die einen Künstler zeigen, der sich zwischen öffentlichem Raum und privater Reflexion bewegt.

Auf diesen Seiten tauchen Dazes frühe Graffitis erneut auf den Fahrzeugen der MTA auf, dokumentiert von Martha Cooper und anderen, die das goldene Zeitalter hautnah miterlebt haben. Diese rohen Archivbilder stehen neben leuchtenden Leinwänden und Wandgemälden, die einen reifen Maler zeigen, der keine Angst vor Selbstreflexion hat. Wie Daze in seiner Einleitung schreibt, handelt es sich hierbei nicht um eine Autobiografie im wörtlichen Sinne, sondern um eine geführte Reise durch prägende Momente – „die entscheidenden Punkte, die meine Kunst geprägt haben und es mir ermöglichten, mich als Künstler weiterzuentwickeln“.

Die Struktur des Buches spiegelt diese Aussage wider: von Graffiti High und der Kameradschaft in den Fluren der Kunst- und Designabteilung der 1970er Jahre über frühe Galerieexperimente mit Haring und Basquiat bis hin zu späteren Wandgemälden in São Paulo, Paris und New York. Jay „J.SON“ Edlins Essay „Transit(ion)“ verbindet diese Phasen präzise miteinander und zeichnet die Entwicklung des Künstlers von sprühlackiertem Stahl zu gespannter Leinwand nach – ein Wandel, der sowohl riskant als auch unvermeidlich war. Claire Schwartz' „From City as Canvas to Canvas as City“ betrachtet Dazes Atelierpraxis als Dialog mit der Metropole selbst, in dem Komposition für Aufruhr und Farbe für Zugfahrpläne steht.

Was dabei entsteht, ist das Porträt eines Künstlers, der eher auf Kontinuität als auf Bruch setzt. Auch als er die Tunnel gegen Ateliers eintauschte, behielten Dazes Werke den Rhythmus der Stadt bei – ihre Dichte, ihren Lärm, ihre Kollisionen. Seine Farben leuchten nach wie vor fluoreszierend, seine Figuren, ob Pendler oder Träumer, strahlen dieselbe stille Dringlichkeit aus. Sacha Jenkins' Vorwort ordnet diese Entwicklung in eine breitere Tradition des New Yorker Graffitis ein und erinnert die Leser daran, dass Überleben und Neuerfindung oft Hand in Hand gehen.

Die Leser können hier die Übergänge mitverfolgen: Fotos von gemeinsamen Wänden mit Crash, Skeme und Dez; Szenen aus dem Unterricht, in denen Daze neuen Generationen beibringt, Malerei eher als einen Akt der Übersetzung denn als eine Abkehr zu betrachten. Seine Welt bleibt durchlässig – persönliche Geschichte, kollektiver Horizont.

Wie die Stadt, in der er aufgewachsen ist, war auch Daze nie stagnierend. Dazeworld wirkt weniger wie eine Retrospektive, sondern eher wie eine offene Karte in Bewegung: Züge und Leinwände dienen als Koordinaten und zeichnen die Spuren der Beharrlichkeit eines entschlossenen Künstlers und eines der ersten Zugwriter New Yorks nach.

            Text Steven P. Harrington and Jaime Rojo   Fotos Eveline Wilson

Djerbahood: Open Air Museum of Street Art. Mehdi Ben Cheikh. 2015

Wenn „Tour Paris 13” der Abgesang einer Ära war, dann könnte „Djerbahood” wie ein strahlender Sonnenaufgang am anderen Ende der Welt empfunden werden. Das Projekt wurde vom Galeristen und Kurator Mehdi Ben Cheikh konzipiert und im weiß getünchten Dorf Erriadh auf der tunesischen Insel Djerba realisiert. Es versammelte mehr als hundert Künstler aus dreißig Ländern, um das zu schaffen, was Ben Cheikh als „museum à ciel ouvert” bezeichnet – ein Freilichtmuseum unter der nordafrikanischen Sonne.

Auf diesen Bildern fällt das Licht der Wüste wie Papier auf die Wände. Werke von eL Seed, ROA, Pantonio, Phlegm, Jaz, Fintan Magee, Curiot, Inti und Sebas Velasco koexistieren mit der lokalen Architektur – weißen Kuppeln, niedrigen Bögen, gitterartigen Schatten – und verwandeln die Stadt in eine lebendige Galerie. Wie Brooklyn Street Art in seiner Rezension feststellte, „fesselt Djerbahood den Geist und die Fantasie und vermittelt ein Gefühl für den Ort und die Menschen, die dort leben“. Das stimmt: Das Tempo des Buches – halb Atlas, halb Fotoessay – lässt die Leser durch die Gassen schlendern, als würden sie dem Duft von Gips und Meeresluft folgen.

Die Einführung und Interviews mit Ben Cheikh, Kulturproduzent und Kunsthändler, offenbaren einen tiefgreifenden, bewussten Akt der Wiederbelebung. Nach der Revolution in Tunesien im Jahr 2011 sah er in der Kunst eine Möglichkeit, die Identität von Erriadh neu zu definieren – um eine Stadt zu erwecken, „die in Lethargie verfallen war“, wie er gegenüber der UNESCO erklärte. Das Projekt gab den Einwohnern ein neues Gefühl des Stolzes, und für eine gewisse Zeit wurde das Dorf zu einem globalen Reiseziel. Djerbahood verharmlost seine Komplexität nicht. Es hält die Spannungen zwischen Kommerz und Gemeinschaft, Tourismus und Authentizität, Spektakel und Substanz fest. Einige Kritiker sahen in der Auswahl der Künstler einen kuratierten Export urbaner Coolness, andere einen echten kulturellen Austausch. Das Buch lässt beiden Lesarten Raum zum Atmen.

Was das Design angeht, ist der dicke Hardcover-Einband so hochwertig wie jedes europäische Kunstjahrbuch. Der Geist und die Persönlichkeit des Buches zeigen sich in seinen Texturen – rissige Kalkfarbe, sonnenverblasste Farbe und alltägliche Straßenszenen (oft Kinder und Familien), die sich durch die Gassen bewegen. Die Themen wirken universell, wobei die ausgewählten Bilder die lokalen Normen respektieren. Der zweisprachige Text (Französisch und Englisch) öffnet das Projekt einem internationalen Publikum und verankert es gleichzeitig im tunesischen Kontext, was die Vielsprachigkeit der Kunst selbst widerspiegelt.

Djerbahood ist vor allem ein Beispiel für die Möglichkeiten, die sich bieten: Wie eine kleine Stadt zu einem Knotenpunkt für globale Straßenkunst werden kann und wie diese Begegnung Spuren hinterlassen hat, die selbst die Zeit und die salzige Luft nur schwer auslöschen können. Mit den Worten von Ben Cheikh hat das Projekt bewiesen, „dass jeder Ort der Welt irgendwann zur Hauptstadt der Straßenkunst werden kann – selbst wenn er am anderen Ende einer Insel liegt“.

            Text Steven P. Harrington & Jaime Rojo  Fotos Eveline Wilson

WAONE: Worlds of Phantasmagoria, Vol. 1. Vladimir Manzhos. 2020

Worlds of Phantasmagoria, Band 1 ist eine umfassende Erkundung der monochromen Werke des ukrainischen Künstlers Vladimir Manzhos, bekannt als WAONE. Das 208 Seiten starke Hardcover-Buch umfasst die Jahre 2013 bis 2020 und bietet einen chronologischen Überblick über seine künstlerische Entwicklung. Es beleuchtet seinen Übergang von großformatigen, farbenfrohen Wandgemälden im öffentlichen Raum zu komplexen Schwarz-Weiß-Kompositionen, die im Atelier entstanden sind.

Das Buch enthält eine Reihe von Werken, darunter Wandmalereien, Tuschezeichnungen, Radierungen und Lithografien, die jeweils von detaillierten Erläuterungen des Künstlers begleitet werden. Diese Beschreibungen geben Einblick in den kreativen Prozess von WAONE und die philosophischen Themen, die seinem Werk zugrunde liegen. Inspiriert von Mythologie, Folklore, Wissenschaft und persönlicher Selbstreflexion, verbinden seine Werke surreale Bilder mit symbolischer Tiefe.

Mit der Ästhetik einer verstaubten und mythischen Bibliothek öffnen die Illustrationen die Vorurteile der Psychologie und bieten unzählige Sichtweisen, indem sie vertraute Elemente zu ungewöhnlichen Assoziationen neu kombinieren. Dabei begleitet man Waone auf seiner Reise, während er sich dieser farblosen Sichtweise widmet, die dennoch reichhaltig ist, wenn auch mit einem Hauch von antiseptischem Horror.

Zu den herausragenden Werken gehört „Apple of Discord“ (2020), das eine fötale Gestalt zeigt, die durch den Kosmos schwebt. Das Werk dient als Meditation über das Ego und existenzielle Transformation und veranschaulicht WAONEs Interesse an der Verbundenheit von Leben und Kosmos. Andere Werke in dem Buch spiegeln seine Beschäftigung mit Mystik und seine Neuinterpretation bekannter Symbole wider, um fantasievolle und zum Nachdenken anregende Erzählungen zu schaffen.

WAONE, geboren 1981 in der Nähe von Kiew, begann seine künstlerische Karriere Ende der 1990er Jahre als Teil der Graffiti-Crew Ingenious Kids. 2005 gründete er zusammen mit Aleksei Bordusov (AEC) das Wandmalerei-Duo Interesni Kazki, das farbenfrohe, surrealistische Wandbilder schuf, die in Städten auf der ganzen Welt zu sehen waren. Nach dem Ende ihrer Zusammenarbeit begann WAONE eine Solokarriere, verfeinerte seinen Stil und konzentrierte sich auf monochrome Werke, die traditionelle Techniken mit modernen Themen verbinden.

Dieses selbstveröffentlichte Buch ist auf 1.500 Exemplare limitiert und dokumentiert WAONEs künstlerischen Werdegang. Es bietet den Lesern einen Einblick in sein symbolisches und detailreiches Universum. Für alle, die sich für zeitgenössische Kunst, Mythologie oder surreale visuelle Erzählkunst interessieren, ist Worlds of Phantasmagoria, Vol. 1 sowohl faszinierend als auch aufschlussreich.

            Text: Steven P. Harrington und Jaime Rojo   Fotos: Eveline Wilson

The Street Art Manual. Bill Posters. 2020.

Das Street Art Manual des Künstlers und Aktivisten Bill Posters ist ein praktischer Leitfaden für Widerstand und Neuerfindung und zugleich DIY-Werkzeugkasten, Einführung in die Kunstgeschichte und Handbuch für subversives Verhalten. Mit der Selbstsicherheit eines erfahrenen Praktikers und dem einladenden, humorvollen Ton eines unterstützenden älteren Bruders bietet das Buch praktische Anleitungen und philosophische Grundlagen für alle, die sich kreativ – und verantwortungsbewusst – im öffentlichen Raum engagieren möchten.

Posters, Mitbegründer des Brandalism-Projekts und bekannt für kontroverse Deepfake-Onlinekampagnen wie Spectre, bringt ein breites Wissen über globale aktivistische Kunstbewegungen mit. Von Beuys' Begriff der „sozialen Skulptur“ über John Fekners typografische Landminen bis hin zu den ACT UP-Visuals der AIDS-Krise zeichnen die ersten Kapitel eine Linie öffentlicher Dissidenz nach, die seine eigene Praxis prägt. Diese Referenzen sind keine verstaubten Zitate, sondern eindringliche Mahnungen daran, dass Kreativität auf der Straße schon immer mehr als nur Ästhetik war – manchmal fühlt sie sich wie Überleben, Strategie und klassische Satire an.

Das Street Art Manual ist ästhetisch ansprechend und übersichtlich gestaltet und deckt ein breites Spektrum an Techniken ab: Graffiti, Schablonentechnik, Plakatieren, Yarn Bombing, Guerilla-Projektionen, Drohnenkunst und sogar Projektile. Jedes Kapitel enthält Schritt-für-Schritt-Diagramme des Illustrators Matt Bonner, dessen Hintergrund in der Kampagnengrafik für Klarheit und einen Hauch von Humor sorgt. Es gibt sogar einen Abschnitt über Wandmalerei – die heutzutage normalerweise von niemandem als radikal angesehen wird –, in dem diskutiert wird, wie großformatige Werke das Gedächtnis einer Gemeinschaft ehren oder den Zusammenbruch der Umwelt kritisieren können.

Was dieses Buch jedoch auszeichnet, ist nicht nur sein Umfang, sondern auch sein Tonfall. Posters behandelt den Leser sowohl als Schüler als auch als Verwalter. Zu jedem technischen Tipp – wie man beispielsweise vermeidet, von einem Wachhund angegriffen zu werden, während man an einem Zaun hängt – gibt es einen Verhaltenshinweis: Werfen Sie keinen Müll weg, seien Sie nicht arrogant und vergessen Sie nicht, warum Sie das tun. Bei Graffiti, schreibt er, „sagen Sie mehr als nur Ihren Namen. Setzen Sie sich für die weniger Privilegierten ein.“ Das ist nicht belehrend, sondern prinzipientreu. Nun, vielleicht ist es doch belehrend.

Das Street Art Manual positioniert kreative Interventionen als eine Möglichkeit, die öffentliche Stimme zurückzugewinnen. Die zugrunde liegende Botschaft handelt nicht von Vandalismus, sondern von Sichtbarkeit. „Im Laufe der Geschichte“, schreibt Posters, „haben Menschen ihre Kreativität genutzt, um sich gegen Konformität zu wehren und nach Erfahrungen zu suchen, die mehr Bedeutung schaffen.“

Zu diesem Zweck spricht er offen und ehrlich über rechtliche Risiken und ethische Grenzen. Den Lesern wird geraten, ihre Rechte zu kennen, ihre Privilegien anzuerkennen und ihre Umgebung zu respektieren. Das Buch verherrlicht das Illegale nicht, scheut sich aber auch nicht, dessen Macht anzuerkennen. Ein Banner Drop oder eine Werbeübernahme retten vielleicht nicht die Welt – aber sie können Fragen aufwerfen oder Diskussionen anregen.

Das Street Art Manual ist lehrreicher als die meisten Kunstbücher und fundierter als die meisten Aktivistenhandbücher und eine zeitgemäße Ergänzung für das Bücherregal jedes Straßenkünstlers. Es erinnert uns daran, dass Straßen nicht nur für Autos oder den Handel da sind – sie sind für die Bürger da. Manchmal brauchen Bürger Handbücher.

            Text Steven P. Harrington and Jaime Rojo   Fotos Eveline Wilson

Los cimientos de la armonía y de la invención. Escif. 2024

Mit einem Überblick über zwölf Jahre Studio- und Wandmalerei, öffentliche Interventionen, Installationen und Kollaborationen ist Los cimientos de la armonía y de la invención Escifs bislang umfassendstes und möglicherweise auch sein durchdachtestes Buch. Mit seinen 600 Seiten ist dieser massive, in Leinen gebundene Band sowohl ein Archiv als auch eine langsame Meditation, die die Entwicklung des Künstlers von einem cleveren, ideengetriebenen Straßenmaler zu einem konzeptuellen Provokateur widerspiegelt, dessen zurückhaltende Gesten weitreichende, nachhallende Interpretationsmöglichkeiten offenlassen. Der Titel des Buches ist Vivaldis Il cimento dell'armonia e dell'invenzione entlehnt und positioniert Escifs Kunst sowohl als Experiment als auch als Orchestrierung – als Kontrapunkt von Humor und Trauer, Stille und Konfrontation, Metapher und Material

Escif verdankt seinen Ruf seiner Fähigkeit, subtile und dennoch wirkungsvolle Werke im öffentlichen Raum zu platzieren – eine gemalte Leiter, die zu einem Fenster hinaufführt, ein zerbrochenes Telefon an einer Eckfassade, eine Reihe schlafender Figuren, die über die Dächer der Stadt verteilt sind. Escif lebt in Valencia und begann seine Graffiti-Karriere um 1996–1997. Anfang der 2000er Jahre entwickelte er seine öffentlichen Wandmalereien und Interventionen weiter. Diese Zeit fällt mit der Karriere von Kollegen wie Hyuro und SAM3 zusammen, die ebenfalls in Spanien bekannt wurden. Escif zeichnete sich bald durch minimalistische Formen und scharfe, sozialkritische Erzählungen aus. Escifs Bildsprache lehnt sich an Beschilderungen, Illustrationen und Protestbanner an, aber sein Tonfall erinnert oft an Haikus oder Märchen: konzentriert, mehrdeutig, sanft subversiv.

Ein wiederkehrendes Thema ist der Bruch – zwischen Mensch und Natur, zwischen Wirtschaft und Ethik, zwischen Oberfläche und dem, was darunter liegt.

In Los cimientos organisiert Escif etwa ein Jahrzehnt seiner Arbeit nicht chronologisch, sondern thematisch und assoziativ, sodass Ideen widerhallen und sich entfalten können. Das Buch vermeidet lineare Darstellungen und bedient sich einer transversalen, ja sogar kubistischen Erzählstruktur. Es positioniert sich visuell an dem, was der Künstler als „Schnittpunkt zwischen der Hybris der Enzyklopädie und der Dekonstruktion eines Biskuitkuchens“ bezeichnet – ein herrlich absurdes Bild, das die Mischung aus philosophischer Tiefe und spielerischer Dissonanz in seinem Werk perfekt einfängt. Die Struktur stützt sich auf die chinesische Theorie der fünf Transformationen und ist vom konzeptuellen Rhythmus der Konzerte Vivaldis inspiriert.

Die Abschnitte wechseln sich ab mit hochauflösenden Dokumentationen der Wandmalereien, Texten, Zeichnungen, Entwürfen und Seiten mit handschriftlichen Notizen. Auszüge und Zitate von Autoren wie Santiago Alba Rico, Teresa Juan Tato und Nacho Magro Huertas fügen einen philosophischen Faden hinzu und beleuchten die langjährige Kritik des Künstlers an Kapitalismus, Nationalismus und ökologischer Entfremdung. Andere, wie Friedensreich Hundertwasser und Hakim Bey, werden durch Zitate und Verweise im Geiste herangezogen und ordnen Escifs Kunst in eine Tradition poetischen Widerstands ein.

Das Buch ist in seinem Design zurückhaltend und elegant. Antonio Ballesteros (Formo) verleiht ihm mit seinem Design und Layout eine leichte, aber sichere Note. Das zweisprachige Format (Spanisch und Englisch) wird unaufdringlich umgesetzt und oft in parallelen Spalten dargestellt. Das Layout lässt großzügige Ränder und Pausen, was die Vorliebe des Künstlers für Leere als Raum des Potenzials widerspiegelt. Manchmal wirkt das Buch wie eine konzeptionelle Karte von Escifs innerem Mechanismus: wie er Stadtplanung mit psychologischem Widerstand verbindet oder wie ein gemaltes Wandbild sowohl als Frage als auch als Ablehnung fungieren kann. Die Fotos sind gut gedruckt und schnörkellos und zeigen oft Wandbilder vor Ort mit Passanten, Schatten oder Verfall, ganz offensichtlich vergänglich.

Diese Publikation markiert einen bedeutenden Wendepunkt in Escifs Praxis – keine Abkehr, sondern eine Konsolidierung. Während frühere Zines und Bücher eher als tragbare Portfolios oder Projektdokumentationen dienten, ist Los cimientos wie ein langer Brief an die Zukunft verfasst. Es erkennt die Paradoxien der Arbeit im öffentlichen Raum an: gesehen zu werden und dennoch anonym zu bleiben; das System zu kritisieren, während man in ihm eingebettet ist. Es begrüßt Widersprüche als Prinzip der Erfindung. Auf einer Doppelseite zeigt ein Diagramm den Anstieg der Wohnkosten im Vergleich zur Zahl der leerstehenden Häuser in Spanien; auf einer anderen ist auf einem Wandbild ein Paar Lungen zu sehen, die mit Ästen gefüllt sind. Diese Gesten sind visuelle Argumente – still, prägnant.

Die haptische Gestaltung – mit Stoff bezogener Buchrücken, Offsetdruck, Papier in Archivqualität – steht im Einklang mit seiner langfristigen Ausrichtung.

Der Abschnitt „Danksagungen” unterstreicht den gemeinschaftlichen Charakter von Escifs Kunstschaffen: ein gemeinsamer Prozess von Freunden, Aktivisten, Produzenten, Denkern und Wanderern. Seine Dankbarkeit ist spürbar: „Jeder Einzelne hat mit seinem Beitrag dieses Buch möglich gemacht. Ich schätze mich glücklich, dieses Werk mit Ihnen teilen zu dürfen, an dem auch Sie einen Anteil haben.”

Mitarbeiter wie Axel Void, Daniel Muñoz, Ernest Zacharevic und das Kollektiv Unmute Gaza tauchen auf den Seiten des Buches auf und unterstreichen Escifs umfassenden, intersektionalen Ansatz in Bezug auf Widerstand und Kreativität. Studenten, Techniker und poetische Berater werden gleichermaßen mit poetischer Anleitung und aufrichtiger Dankbarkeit gewürdigt.

Für Leser, die mit Escif noch nicht vertraut sind, bietet dieser Band eine Einführung. Für langjährige Beobachter ist er ein Meilenstein: eine umfassende, selbst verfasste Analyse eines Künstlers, der sich weigert zu schreien, dessen Werk jedoch weiterhin nachhallt. Sein Werk ist ein langsames Manifest für politische Vorstellungskraft – ein Handbuch für stillen Widerstand, eine Aufzeichnung dessen, was es bedeutet, vor einer Wand tief nachzudenken.

              Text Steven P. Harrington & Jaime Rojo     Fotos Eveline Wilson

Shoe Is My Middle Name. Niels ­Shoe Meulman. 2016

Graffitikünstler, Kalligraph, Maler, Typograf – Meulmans berufliche Identitäten drehen sich seit langem um das geschriebene Zeichen. “Shoe Is My Middle Name” vereint diese jahrzehntelangen Umlaufbahnen in einem Gravitationsfeld und präsentiert einen Überblick über die bisherige Karriere, dessen Umfang und Gewicht den schwungvollen Gesten des Künstlers entsprechen. Fotografien von Wandgemälden, Leinwänden und Gedichtrollen sind chronologisch angeordnet, wirken jedoch rhythmisch und spiegeln die sich wiederholende Muskelgedächtnis wider, das Buchstaben in Bilder verwandelt.

Die ersten Kapitel erinnern an einen frühreifen Teenager aus Amsterdam, der nach seiner Begegnung mit Dondi White den New Yorker Wild-Style nach Europa importierte, während spätere Seiten dokumentieren, wie sich diese Gewandtheit im Umgang mit urbanen Schriftzeichen zu dem entwickelte, was Kritiker als „Calligraffiti“ bezeichneten. Tintenflecken, breite Pinselstriche und Rakelspuren zeugen von Meulmans Engagement für einen kompromisslosen Stil: Sobald die Farbe auf die Oberfläche trifft, gibt es, wie er schreibt, „keine halben Sachen mehr”. Zitate, Tagebuchauszüge und das ganzseitige Gedicht „A Writer’s Song” unterstreichen die Bilder und verankern großartige Abstraktionen in einer autobiografischen Stimme, die sowohl prahlerisch als auch nachdenklich ist.

Designentscheidungen verstärken die Wirkung der Arbeit. Ein azurblauer Farbauftrag und ein gepunkteter schwarzer Bildschirm ziehen sich durch das gesamte Werk und verbinden Studioaufnahmen mit Besen auf dem Dach und Galerieböden, die noch feucht von verdünntem Acryl sind. Das Layout lässt den Bildern viel Weißraum, sodass Flecken und Verläufe atmen können; gelegentliche Ausklappseiten zwingen die Leser dazu, selbst eine kleine Geste des Entfaltens auszuführen, die den physischen Ansatz des Künstlers widerspiegelt.

Ein Essay von Carlo McCormick positioniert Meulman als „Kreuzbestäuber”, der die DNA des Graffitis zurück über den Atlantik trug, während kurze Bildunterschriften die Technik analysieren, ohne in Anleitungen zu verfallen. Das Gesamtergebnis ist weder ein Manifest noch ein Werkverzeichnis, sondern das Porträt eines kontinuierlichen Experimentierens – eines Schriftstellers, der sich weigert, einen Stil einzufrieren, selbst wenn er ihn in gedruckter Form verewigt.

Für private und institutionelle Bibliothekssammlungen mit Schwerpunkt auf zeitgenössischer Typografie, Graffiti-Geschichte oder hybriden Malpraktiken bietet Shoe Is My Middle Name eine fundierte, visuell beeindruckende Referenz. Die Mischung aus großformatigen Reproduktionen, Archivmaterial und Primärquellen macht es zu einer unschätzbaren Quelle für Wissenschaftler, die die Entwicklung der Post-Wild-Style-Schrift verfolgen, und für Künstler, die nach Beweisen dafür suchen, dass disziplinierte Handfertigkeiten noch immer neue Wege beschreiten können.

            Text: Steven P.Harrington und Jaime Rojo   Fotos: Eveline Wilson

Seth: On Walls. Julien Malland. 2023

On Walls präsentiert ein Jahrzehnt der Wandmalerei des französischen Straßenkünstlers Julien Malland, bekannt als Seth Globepainter. Das Buch, das von Editions de La Martinière herausgegeben und von Abrams vertrieben wird, dokumentiert Seths Reisen durch städtische und ländliche Gemeinden auf der ganzen Welt und stellt seine unverwechselbare Bildsprache in verschiedene lokale Kontexte, die von Geschichte, Konflikten und Wandel geprägt sind.

Seths Bilder mischen gesättigte Paletten, geometrische Konstruktionen und Elemente der Folklore. Seine wiederkehrenden Figuren - gesichtslose Kinder - sind in Umgebungen inszeniert, die sowohl Verletzlichkeit als auch Widerstandsfähigkeit suggerieren. Auf 256 Seiten zeichnet On Walls einen Weg von Phnom Penh nach Palästina, von Haiti in die Ukraine nach, wobei jedes Wandbild von der physischen und sozialen Landschaft geprägt ist, in der es entstanden ist.

Die hier versammelten Fotografien sind auf die Beziehung zwischen Wand, Kunstwerk und Umgebung ausgerichtet. Seths Prozess betont das lokale Engagement und schöpft aus den Traditionen und Erzählungen der Gemeinschaft, ohne einen externen Rahmen vorzuschreiben. Seine Wandbilder entstehen aus diesem Austausch und spiegeln die gemeinsame Geschichte wider, anstatt sie zu verdrängen.

„In einer Welt, in der das System die Schwächsten entfremdet, scheint es mir unmöglich, eine zynische oder pessimistische Sichtweise aufzuerlegen“, erklärt Seth. Seine Vorliebe für Mehrdeutigkeit und offene Interpretationen bewahrt die Bilder davor, illustrativ zu werden, und ermöglicht es dem Betrachter, zwischen oberflächlichen Farben und tieferen emotionalen Strömungen zu navigieren.

Sophie Pujas weist im Vorwort des Buches auf die Spannung unter Seths hellen Oberflächen hin: „Wie Kinderspiele, in denen immer Grausamkeit lauert, sind Seths Wandbilder Träger von Melancholie, die von einer geheimen Dunkelheit geprägt sind.“ Diese Dualität prägt einen großen Teil der hier versammelten Arbeiten, in denen sich spielerische Gesten mit der Realität von Unsicherheit und Verlust die Waage halten.

Kurze Textbeschreibungen begleiten die Wandgemälde und bieten Kontext, ohne den visuellen Rhythmus zu überlagern. In Haiti, Palästina, Tunesien und darüber hinaus reagieren Seths Wandbilder auf die Umgebungen, die sie beherbergen. Manchmal bewahren sie verschwindende kulturelle Erinnerungen, manchmal markieren sie fragile Übergänge.

Kurze Textbeschreibungen begleiten die Wandgemälde und bieten Kontext, ohne den visuellen Rhythmus zu überlagern. In Haiti, Palästina, Tunesien und darüber hinaus reagieren Seths Wandbilder auf die Umgebungen, die sie beherbergen. Manchmal bewahren sie verschwindende kulturelle Erinnerungen, manchmal markieren sie fragile Übergänge.

Bordalo II 2011 – 2017. Bordalo II. 2017

Bordalo II 2011 - 2017 ist ein unverzichtbares Dokument der transformativen Herangehensweise des in Lissabon lebenden Künstlers an Street Art, Skulptur und Umweltaktivismus. Das Buch wurde in Verbindung mit seiner großen Einzelausstellung ATTERO in Lissabon veröffentlicht und dokumentiert sechs Jahre Bordalo IIs unermüdliche Erforschung von Abfall als Material und Botschaft. Bekannt für seine großformatigen Tierskulpturen aus weggeworfenen Gegenständen, verwandelt Bordalo II Industrie-, Handels- und Konsumabfälle in ausdrucksstarke Werke, die die Kultur des Überkonsums herausfordern.

In ATTERO wird sein kreativer Prozess offengelegt - der Betrachter betritt eine Lagerhalle, in der sich Fahrräder schichtweise stapeln, Bürostühle mit ihren Beinen in der Luft schwingen und weiße Müllsäcke weiche, baiserartige Haufen bilden. Als immersive Studie spiegelt das Buch die Fähigkeit des Künstlers wider, Chaos in Ordnung zu bringen und eine visuelle Sprache der Dringlichkeit, Schönheit und Kritik zu entwickeln.

Bordalo II, benannt nach seinem Großvater, dem berühmten portugiesischen Maler Real Bordalo, begann als Graffiti-Writer beim Lissabonner R315 Dream Team, bevor er durch sein Studium an der Fakultät der Schönen Künste zur Bildhauerei überging. Seine charakteristischen „Mülltiere“ verwenden das Weggeworfene, um das Gefährdete darzustellen, indem er gefundene Gegenstände zu eindrucksvollen Darstellungen der durch menschliche Verschwendung bedrohten Tierwelt zusammensetzt.

Die urbane Kunstfotografin und De-facto-Historikerin Martha Cooper, die seinen Schaffensprozess in dem Buch dokumentiert, beschreibt, wie sich seine Materialauswahl - scheinbar zufällige Haufen von Industrieabfällen - vor den Augen des Betrachters in eine detaillierte, ausdrucksstarke Kreatur verwandelt. Der Kritiker Carlo McCormick ordnet Bordalo II in eine Reihe von Künstlern ein, die die versteckten Kosten des Konsums aufdecken, und verweist auf seine Fähigkeit, innerhalb der sich entwickelnden Street-Art-Bewegung einen scharfen sozialen Kommentar abzugeben. Mit seinen ausführlichen Essays und der umfangreichen Fotodokumentation bietet das Buch einen unschätzbaren Einblick in die sich entwickelnde Praxis und künstlerische Philosophie von Bordalo II.

Bordalo II 2011 - 2017 kann als eine dringende Reflexion über die Verantwortung für die Umwelt gesehen werden, die durch Beiträge von Persönlichkeiten wie dem portugiesischen Umweltminister João Pedro Matos Fernandes noch verstärkt wird. „Es macht uns auf die Entscheidungen aufmerksam, die wir in unserem täglichen Leben treffen, und auf die Folgen unseres Handelns“, schreibt er und lobt die Fähigkeit des Künstlers, das Publikum mit den greifbaren Auswirkungen menschlicher Exzesse zu konfrontieren. Das Buch zeigt Bordalo II in Bewegung, an einem kritischen Punkt seiner Karriere, bei der Neugestaltung des öffentlichen Raums mit Materialien, die wir lieber vergessen würden. Wie McCormick treffend bemerkt: „Und in dieser Welt, in der wir den Planeten mit unserem unaufhörlichen Müll ersticken, sollten wir jene alchemistischen Künstler wie Bordalo II feiern, die die seltene Gabe besitzen, Scheiße in Gold zu verwandeln.“

             Text: Steven P.Harrington und Jaime Rojo   Fotos: Eveline Wilson

Writing the Future: Basquiat and the Hip-Hop Generation. Liz Munsell et.al. (Hrsg). 2020.

Der Katalog Writing the Future: Basquiat and the Hip-Hop Generation, der die Ausstellung im Museum of Fine Arts, Boston, begleitet, ist so vielschichtig und dynamisch wie sein Thema. Der von Liz Munsell und Greg Tate herausgegebene Band enträtselt die Schichten von Jean-Michel Basquiats künstlerischer Welt und seine Rolle innerhalb einer sich wandelnden kulturellen Ära. Er positioniert Basquiat nicht nur als individuellen Künstler, sondern auch als Schlüsselfigur in einer Konstellation sich überschneidender Bewegungen, die Kunst, Musik und Performance im New York der 1970er und 1980er Jahre neu gestalteten.

Das Buch ist ebenso sehr eine kulturelle Chronik wie eine künstlerische Studie. Es fängt die chaotische, elektrisierende Energie eines New York ein, in dem sich die Grenzen zwischen „hoher“ und „niedriger“ Kunst auflösten und die Straße zu einer unregulierten Galerie wurde. Der Text befasst sich mit dem sozialen und kulturellen Austausch zwischen der Uptown- und der Downtown-Szene - Welten, die gleichzeitig durch Ethnie, Klasse und künstlerische Visionen getrennt und vereint waren. Diese Schichten werden durch Essays zum Leben erweckt, die sich mit den gesellschaftlichen Kräften befassen, die Basquiats Ära prägten: dem Zusammenbruch der städtischen Wirtschaft, dem Aufstieg des Hip-Hop und dem kulturellen Synkretismus, der die kreativen Räume der Stadt definierte.

The Physicality of Art

Der Essay von Liz Munsell befasst sich anschaulich mit der taktilen, viszeralen Natur von Basquiats Werk. Seine Leinwände, die als lyrische Gedächtnisschränke beschrieben werden, tragen die Fingerabdrücke seines Prozesses und machen den Akt des Schaffens untrennbar mit dem Endprodukt. Der Katalog unterstreicht diese Körperlichkeit und hebt hervor, dass seine Gesten und Zeichen ebenso viel Bedeutung haben wie die kryptischen Texte und Symbole, die in seine Werke eingebettet sind. Diese Konzentration auf das Greifbare spiegelt die rohen und unmittelbaren Qualitäten von Graffiti und Straßenkunst wider und verbindet Basquiats Atelierpraxis mit seinen Wurzeln in den Straßen von Brooklyn und Manhattan.

Shattered Poetics and Lyrical Narratives

Carlo McCormick eröffnet das Buch mit einer poetischen Reflexion über Basquiats Aufstieg und ordnet ihn in eine Generation von Künstlern ein, die die starren Konventionen des Galeriesystems ablehnten. McCormicks Text unterstreicht den Geist der Improvisation und des Freestyles, der sowohl Basquiats Werk als auch die Hip-Hop-Kultur, mit der er verflochten war, prägte. Diese „verrückte Quilt-Konversation“, wie McCormick sie nennt, bringt unterschiedliche Stimmen und Ästhetiken zusammen und schafft einen Dialog, der über Zeit und Ort hinausgeht.

Contributors Who Illuminate and Contextualize

Die Beiträge von J. Faith Almiron, Dakota DeVos und Hua Hsu bereichern den Katalog zusätzlich, indem sie verschiedene Perspektiven auf Basquiats Wirkung und die breitere Bewegung, deren Teil er war, bieten. Ihre Essays befassen sich mit dem Trauma, der Ungerechtigkeit und der Widerstandsfähigkeit, die in den Werken von Basquiat und seinen Zeitgenossen zum Ausdruck kommen. Diese Erzählungen zeigen, wie das Werk des Künstlers sowohl als Reflexion als auch als Kritik seiner Zeit diente und einer Gesellschaft im Wandel den Spiegel vorhielt.

Writing the Future: Basquiat and the Hip-Hop Generation ist eine unverzichtbare Quelle für das Verständnis der Überschneidungen von Kunst, Kultur und Geschichte, die Basquiats Welt definierten. Das Layout des Buches, das Essays, Archivmaterial und hochwertige Reproduktionen von Basquiats Werken kombiniert, lädt den Leser zu einer reichhaltig strukturierten Erzählung ein. Es stellt nicht nur Basquiats künstlerisches Schaffen in einen soliden Kontext, sondern unterstreicht auch die anhaltende Relevanz der kulturellen Bewegungen, an denen er beteiligt war.

            Text: Steven P. Harrington and Jaime Rojo    Fotos Eveline Wilson

Writing the Future: Basquiat and the Hip-Hop Generation

Author: by J. Faith Almiron (Author), Dakota DeVos (Author), Hua Hsu (Author), Carlo McCormick (Author), Liz Munsell (Editor), Greg Tate (Editor), Jean-Michel Basquiat (Artist)
Publisher: MFA Publications, Museum of Fine Arts, Boston (May 5, 2020)

Born in the Bronx: A Visual Record of the Early Days of Hip Hop. Johan Kugelberg (Hrsg). Expanded edition 2023.

“Born in the Bronx: A Visual Record of the Early Days of Hip Hop” ist eine eingehende Untersuchung der Wurzeln des Hip-Hop in der Bronx in den 1970er und frühen 1980er Jahren. Der von Johan Kugelberg herausgegebene Band ist ein historisches Archiv und eine Hommage an die Pioniere, die eine lokale Bewegung in ein globales kulturelles Phänomen verwandelten.

Das Herzstück des Buches ist die Fotografie von Joe Conzo, der als „der Mann, der die Babyfotos des Hip-Hop gemacht hat“ bekannt ist. Seine ehrlichen Bilder fangen die rohe Energie der Szene ein - Blockpartys, Breakdancer und ikonische Figuren wie Grandmaster Flash, die Cold Crush Brothers und Afrika Bambaataa. Conzos Fotos rücken die Künstler ins Rampenlicht und dokumentieren die sie umgebende Gemeinschaft und Atmosphäre. Sie spiegeln die Kreativität und Widerstandsfähigkeit wider, die die Anfänge des Hip-Hop ausmachten. Seine Arbeit zeigt eine Kultur, die sich inmitten der sozialen und wirtschaftlichen Herausforderungen der Bronx selbst erfindet.

Ergänzt werden Conzos Fotografien durch die Original-Flyer von Buddy Esquire. Diese handgezeichneten Entwürfe, die fotokopiert und verteilt wurden, um Veranstaltungen und Battles zu bewerben, verkörpern das DIY-Ethos des frühen Hip-Hop. Die Flugblätter sind historische Artefakte, die die Ästhetik und Lebendigkeit einer Gemeinschaft widerspiegeln, die sich um die Schaffung einer neuen kulturellen Sprache bemühte. Das Kunstwerk von Esquire fängt die flüchtige Schönheit der frühen Hip-Hop-Werbematerialien ein und dient als visuelle Aufzeichnung der Bewegung, bevor sie die Aufmerksamkeit des Mainstreams erlangte.

Kugelberg bereichert diese Bilder mit persönlichen Geschichten und Interviews mit einigen der wichtigsten Figuren des Hip-Hop, darunter Grandmaster Caz, Grandwizzard Theodore und MARE 139. Seine impressionistische Erzählung vermittelt eher eine Atmosphäre als eine umfassende Geschichte, die die Lebendigkeit und Dringlichkeit der Ära heraufbeschwört. Jeff Changs Zeitleiste bietet einen weiteren Kontext und verortet die Entstehung des Hip-Hop vor dem sozioökonomischen Hintergrund einer Bronx, die mit wirtschaftlichem Niedergang und städtischem Verfall zu kämpfen hatte. Vor diesem Hintergrund gedieh der Hip-Hop als ein Akt des kreativen Widerstands und des Ausdrucks.

Das Vorwort von Afrika Bambaataa unterstreicht die Einheit und die transformative Kraft, die in den frühen Tagen vorhanden war. Conzos Fotografien, die Flyer von Esquire und Berichte aus erster Hand schaffen ein vielschichtiges Bild einer Gemeinschaft, die aus dem Nichts etwas erfand.

Born in the Bronx bietet dem Leser einen eindrucksvollen Einblick in die Ursprünge des Hip-Hop. Für Fans und Wissenschaftler gleichermaßen ist dieses Buch eine visuelle und erzählerische Reise in die Leidenschaft, den Einfallsreichtum und die Widerstandsfähigkeit der Bronx-Gemeinschaft, die eine kulturelle Revolution hervorgebracht hat.

            Text: Steven P. Harrington and Jaime Rojo   Fotos: Sebastian Kläbsch

The Red Skein. Swoon. 2023

In "The Red Skein" befasst sich Swoon (Caledonia Curry) eingehend mit ihrer künstlerischen Arbeit des letzten Jahrzehnts, die sowohl ihre Street Art als auch ihre Studioarbeiten umfasst. Das 224 Seiten umfassende Buch mit über 200 Farbbildern ist eine detaillierte Darstellung von Swoons Beiträgen zur Street Art und verwandten Bereichen. Es enthält Beiträge von namhaften Autoren und Kritikern wie Dr. Gabor Maté, RJ Rushmore, Melena Ryzik, Jerry Saltz, Pedro Alonzo, Jeffrey Deitch und Judy Chicago und bietet eine facettenreiche Analyse von Swoons Karriere.

Das Buch ist wie eine visuelle Zusammenstellung und eine Erzählung aufgebaut, die Swoons künstlerische Entwicklung dokumentiert.Es umfasst ihre Pionierarbeit in den Bereichen Street Art, Studioarbeit, Animationsprojekte und Gemeinschaftsinitiativen und gibt Einblick in ihre innovativen Techniken und ihren weitreichenden Einfluss.Der Titel "The Red Skein" bezieht sich auf das mythologische Konzept des Ariadnefadens und symbolisiert den komplexen Verlauf von Swoons Karriere und die Verbindungen innerhalb ihrer Arbeit.

Die Einleitung von Dr. Gabor Maté umrahmt das Buch mit einem Schwerpunkt auf den therapeutischen Aspekten von Swoons Kunst und verweist auf einen breiteren Kontext von Kunst als Mittel zur persönlichen und kollektiven Heilung. Die anschließenden Essays bieten verschiedene kritische Perspektiven auf Swoons Werk. RJ Rushmore untersucht die technischen und ästhetischen Neuerungen in Swoons Street Art. Melena Ryzik erörtert die sozialen Auswirkungen ihrer Gemeinschaftsprojekte, wie z. B. den Konbit Shelter und ihre Bemühungen in Braddock, Pennsylvania. Jerry Saltz geht auf die Bedeutung von Swoons Kunst in der zeitgenössischen Kunstlandschaft ein, und Pedro Alonzo erforscht ihre kulturellen Auswirkungen. Die Beiträge von Jeffrey Deitch und Judy Chicago beleuchten die Schnittstelle zwischen Straßenkunst und institutioneller Anerkennung.

Die visuelle Dokumentation in "The Red Skein" bietet einen umfassenden Überblick über Swoons künstlerische Entwicklung, mit Fotografien ihrer Straßeninstallationen, Galerieausstellungen und öffentlichen Kunstprojekte. Die Bilder sind so ausgewählt, dass sie die Entwicklung ihres Stils und ihrer thematischen Interessen veranschaulichen, von den frühen Papierporträts bis hin zu den jüngsten großformatigen Installationen und Animationen. Außerdem wird Swoons Essay "Persephone, Medea, Hecate: Constructing a Crossroads for Art and Psychedelic-Assisted Therapy" einen reflektierenden Bericht über ihre persönlichen Erfahrungen und die Rolle der Kunst in ihrem Leben. Dieser Beitrag trägt zu einem tieferen Verständnis der Beweggründe für ihre Arbeit bei.

Insgesamt fungiert "The Red Skein" sowohl als umfassende Retrospektive als auch als Analyse von Swoons Verbindung von künstlerischer Praxis und sozialem Aktivismus. Es dient als wichtige Quelle für diejenigen, die sich mit der Schnittstelle von Street Art und sozialem Wandel beschäftigen, und bietet eine detaillierte Darstellung von Swoons Einfluss in diesem Bereich.

            Text: Steven P. Harrington and Jaime Rojo   Fotos: Sebastian Kläbsch

The Wide World of Graffiti. Alan Ket. 2023

The Wide World of Graffiti von Alan Ket ist eine umfassende Untersuchung der Graffiti-Kunst, die ihre Entwicklung von einem marginalisierten Ausdruck zu einer weltweit anerkannten Kunstform nachzeichnet. Das Buch befasst sich mit den Ursprüngen von Graffiti in den späten 1960er und 1970er Jahren, vor allem in Philadelphia und New York City, wo es als Sprachrohr für Jugendliche entstand, die sich von der Mainstream-Gesellschaft ausgeschlossen fühlten. Ket, ein Graffiti-Writer und Mitbegründer des Graffiti-Museums in Miami, bietet eine fundierte Perspektive, in der sich persönliche Erfahrungen mit wissenschaftlichen Erkenntnissen verbinden.

Die Chronik beschreibt die Entwicklung von Graffiti, wobei die Anfänge an der Basis und die Verbindungen zu anderen Subkulturen wie Skateboarding, Hip-Hop und Tattooing hervorgehoben werden. Dieser ganzheitliche Ansatz ermöglicht ein umfassendes Verständnis des kulturellen Milieus, das das Wachstum von Graffiti begünstigte. Ket dokumentiert, wie sich Graffiti im Laufe der Jahrzehnte von einfachen Tags zu komplexen Wandmalereien entwickelt haben und dabei die sich verändernde soziale und politische Landschaft reflektieren. Das Buch bietet einen detaillierten Überblick über verschiedene Stile und Techniken und zeigt auf, wie Graffiti-Künstler und Street Artists die Grenzen traditioneller Kunstformen erweitert haben.

Ein großer Teil des Buches ist den verschiedenen Stimmen innerhalb der Graffiti-Gemeinschaft gewidmet. Ket stellt eine breite Palette von Künstlern vor, von Pionieren bis hin zu zeitgenössischen Persönlichkeiten, und bietet dem Leser einen Einblick in ihr Leben und ihre kreativen Prozesse. Diese Vielfalt verdeutlicht den globalen Charakter von Graffiti und seine Anpassungsfähigkeit an unterschiedliche Kulturen und Umgebungen. Die Einbeziehung von Interviews und persönlichen Geschichten erweitert die Erzählung und bietet einen Kontext für die präsentierte visuelle Kunst.

The Wide World of Graffiti ist reich bebildert und enthält Hunderte von Fotos, die die Lebendigkeit und Vielfalt der Graffiti-Kunst einfangen. Diese Bilder sind nicht nur ergänzend, sondern integraler Bestandteil der Erzählung des Buches und veranschaulichen die dynamische Natur von Graffiti. Die visuelle Dokumentation umfasst alles von komplizierten Wandarbeiten bis hin zu plakativen Straßenanhängern und bietet dem Leser ein visuelles Vergnügen.

Ket befasst sich auch mit den Herausforderungen und Kontroversen rund um Graffiti. Er untersucht die rechtlichen und sozialen Probleme, einschließlich der Kriminalisierung von Graffiti und der Spannung zwischen Graffiti als Kunstform und ihrer oft illegalen Natur. Das Buch erörtert den gesellschaftlichen Gegenwind gegen Graffiti und die Widerstandsfähigkeit von Künstlern, die trotz aller Hindernisse weiterhin kreativ tätig sind. Diese kritische Untersuchung bietet einen ausgewogenen Blick auf Graffiti, der ihre Komplexität und die umfassenderen Auswirkungen ihrer Präsenz im öffentlichen Raum anerkennt.

The Wide World of Graffiti ist eine unschätzbare Quelle für alle, die die historische und kulturelle Bedeutung von Graffiti verstehen wollen. Es bietet eine vielschichtige und subtil angewandte Darstellung von Graffiti und würdigt ihre Rolle als eine Form der öffentlichen Kunst, die Konventionen in Frage stellt und zu Veränderungen anregt. Das Buch dient Wissenschaftlern, Enthusiasten und allen, die sich für die facettenreiche Welt der Graffiti interessieren.

            Text: Steven P. Harrington and Jaime Rojo     Fotos: Sebastian Kläbsch

Graffitti Grrlz: Performing Feminism in the Hip Hop Diaspora. Jessica Nydia Pabón-Colón. 2018

"Graffiti Grrlz: Performing Feminism in the Hip Hop Diaspora" von Jessica Nydia Pabón-Colón bietet einen aufschlussreichen Einblick in die Welt der Graffiti-Künstlerinnen und stellt die Wahrnehmung in Frage, dass Graffiti eine von Männern dominierte Subkultur ist. Das Buch beleuchtet die Beiträge von über 100 Graffiti-Künstlerinnen aus 23 Ländern und zeigt, wie sie die Graffiti-Landschaft navigieren, herausfordern und neu definieren.

Von den Straßen New Yorks bis zu den Gassen São Paulos erforscht Pabón-Colón das Leben und die Werke dieser Frauen und stellt Graffiti als einen Raum für die Performance des Feminismus vor. Das Buch untersucht, wie diese Künstlerinnen Gemeinschaften aufbauen, die traditionell männlichen Räume des Hip-Hop umgestalten und Netzwerke schaffen, die zur Bildung von Graffiti-Crews und Malsessions nur für Mädchen führen. Dieser Aspekt ist besonders nützlich, um zu verstehen, wie digitale Plattformen die Reichweite und den Einfluss von Graffiti-Künstlerinnen vergrößert und Verbindungen und Kollaborationen weltweit erleichtert haben.

Eines der zentralen Themen von "Graffiti Grrlz" ist das Konzept der feministischen Männlichkeit. Pabón-Colón zeigt, wie Graffiti-Künstlerinnen Eigenschaften wie Aggressivität, Durchsetzungsvermögen und Kühnheit übernehmen und anpassen, um sich Respekt zu verschaffen und ihre Präsenz in der Graffiti-Welt zu behaupten. Künstlerinnen wie Miss17 und ClawMoney veranschaulichen dieses Thema, indem sie ihre Graffiti-Persönlichkeiten nutzen, um Geschlechternormen in Frage zu stellen und neu zu definieren, was es bedeutet, eine Frau in der Subkultur zu sein. Das Buch fängt Miss17s Gefühl ein: "Wir sind Frauen: Das ist so ziemlich alles, was weiblich ist. Der Rest ist eine Männersache."

Ein weiteres wichtiges Thema ist die Rückgewinnung und Dokumentation der "Herstory". Pabón-Colón betont die Notwendigkeit, die Beiträge von Frauen in der Graffiti-Branche anzuerkennen und zu würdigen, die in vielen Erzählungen oft übersehen werden. Durch die Hervorhebung von Pionierinnen wie Lady Pink und zeitgenössischen Künstlerinnen wie AbbyTC5 unterstreicht das Buch, wie wichtig es ist, die historische und aktuelle Präsenz von Frauen in Graffiti zu dokumentieren.

Pabón-Colón geht auch auf die Überschneidung von Feminismus und Hip-Hop ein und zeigt, wie sich Graffiti-Künstlerinnen mit feministischen Ideen im Kontext der Hip-Hop-Kultur auseinandersetzen. Das Buch bewegt sich jenseits vereinfachender Vorstellungen von "Girl Power" hin zu einem Verständnis von Feminismus, das Stärke, Widerstandsfähigkeit und Gemeinschaft umfasst. ClawMoneys Überlegung, dass Graffiti sie "Arbeitsethik" und "Ästhetik" gelehrt hat, veranschaulicht dieses Engagement.

Das Buch erörtert auch die Herausforderungen und den Druck, dem Frauen im Graffiti ausgesetzt sind. Künstlerinnen wie Motel7 und EGR sprechen über die Schwierigkeiten, sich den traditionellen Geschlechterrollen anzupassen oder sie abzulehnen, und darüber, wie ihre Graffiti-Persönlichkeiten ein Ventil für authentischen Selbstausdruck bieten. Dieses Thema hebt hervor, wie diese Frauen Graffiti nutzen, um sich mit gesellschaftlichen Erwartungen auseinanderzusetzen und ihnen zu widerstehen.

"Graffiti Grrlz" verbindet wissenschaftliche Analysen mit persönlichen Erzählungen, so dass es sowohl für Akademiker als auch für allgemeine Leser zugänglich ist. Pabón-Colóns Texte fangen den dynamischen Geist der Graffitikultur ein. Das Buch regt die Leser dazu an, Geschlechternormen zu überdenken und die vielfältigen Beiträge von Frauen in der Graffitikultur zu würdigen. Graffiti Grrlz" hebt ihre Widerstandsfähigkeit, ihre Kreativität und ihren Einfluss auf die Subkultur hervor und zeigt, wie Frauen seit langem bestehende Stereotypen in Frage stellen. Pabón-Colóns Recherchen und Erzählungen machen dieses Buch zu einer wertvollen Lektüre für alle, die sich für Hip-Hop, Feminismus und Graffiti interessieren.

            Text: Steven P. Harrington & Jaime Rojo   Fotos: Sebastian Kläbsch

Kodak Girl: From the Martha Cooper Collection. John P. Jacob (Hrsg.). 2012

"Kodak Girl: From the Martha Cooper Collection", herausgegeben von John P. Jacob mit Essays von Alison Nordström und Nancy M. West, bietet eine eingehende Untersuchung der einflussreichen Marketingkampagne von Kodak, in deren Mittelpunkt das ikonische Kodak Girl steht. Mit einer fesselnden Sammlung von Fotografien und zugehörigen Ephemera taucht das Buch in die Schnittmenge von Technologie, Kultur und der Rolle der Geschlechter im späten 19. bis zur Mitte des 20. Jahrhunderts ein. Es bietet den Lesern einen umfassenden Einblick, wie Kodak nicht nur die Fotografie in ein weithin zugängliches Hobby verwandelte, sondern auch die gesellschaftliche Wahrnehmung von Frauen maßgeblich beeinflusste.

Bei dieser von Martha Cooper kuratierten persönlichen Sammlung handelt es sich um ein umfangreiches Archiv von Kodak-Girl-Ephemera mit Werbung, Fotos und verschiedenen Erinnerungsstücken. Anhand dieser Bilder zeigt das Buch die Entwicklung des Kodak Girl von einem Symbol für die gemächliche Weiblichkeit der Oberschicht zu einem Emblem der modernen, unabhängigen Frau. Dieser Wandel spiegelt die allgemeinen gesellschaftlichen Veränderungen wider, darunter die zunehmende Beteiligung von Frauen am Berufsleben und am öffentlichen Leben. Der reichhaltige Bildinhalt und die aufschlussreichen Kommentare des Buches kontextualisieren diese Veränderungen im Rahmen der frühen fotografischen Praktiken und Marketingstrategien.

Das Vorwort von John P. Jacob führt den Leser in den historischen Kontext des Aufstiegs von Kodak und die innovativen Marketingtechniken ein, die George Eastman einsetzte. Indem er dem modischen Gibson Girl eine Kamera in die Hand drückte, schuf Eastman das Kodak Girl, eine Figur, die mit den Idealen der Progressive Era in Einklang stand. Dieser strategische Schachzug hob die einfache Handhabung der Kodak-Kameras hervor und machte die Fotografie für Frauen und damit auch für Familien und die breite Öffentlichkeit zugänglich. Das Kodak Girl wurde zu einer aufstrebenden Figur, die sowohl den technischen Fortschritt als auch die sich entwickelnden Geschlechterrollen symbolisierte.
Alison Nordström befasst sich in ihrem Essay mit der Kulturgeschichte der Fotografie während des Gilded Age und der Progressive Era und hebt die Rolle des Kodak Girls bei der Demokratisierung der Fotografie hervor. Sie erklärt, dass das Kodak Girl mehr als nur ein Werbetrick war; es war ein Spiegelbild der gesellschaftlichen Veränderungen jener Zeit. Als Frauen begannen, aus der traditionellen häuslichen Rolle herauszutreten, verkörperte das Kodak Girl diese neugewonnene Unabhängigkeit und Mobilität und förderte die Idee, dass Fotografie eine Aktivität für jedermann war, nicht nur für professionelle Fotografen.

Der Beitrag von Nancy M. West untersucht die weitergehenden Auswirkungen des Kodak Girl im Kontext der amerikanischen Sozial- und Wirtschaftsgeschichte. Sie argumentiert, dass die Kodak Girl-Kampagne für die Gestaltung der Konsumkultur von entscheidender Bedeutung war und Nostalgie und Modernität nutzte, um ein breites Publikum anzusprechen. Wests Analyse hebt hervor, wie das Kodak Girl dazu beitrug, die Präsenz von Frauen im öffentlichen Raum und den modernen Fortschritt zu normalisieren und die Vorstellung zu stärken, dass die Fotografie alltägliche Momente und besondere Anlässe gleichermaßen festhalten kann.

Das Kodak Girl dient als das Objektiv, durch das wir die breitere Erzählung des amerikanischen Lebens untersuchen können, und veranschaulicht, wie Marketingstrategien gesellschaftliche Werte widerspiegeln und formen können. "Kodak Girl: From the Martha Cooper Collection" ist eine Feier des Einflusses der Fotografie auf die amerikanische Kultur und eine Hommage an die Frauen, die bei dieser visuellen Revolution eine entscheidende Rolle spielten. Durch akribische Recherchen und eine reichhaltige Zusammenstellung visueller Artefakte vermittelt dieses Buch ein Verständnis für die Bedeutung des Kodak Girl und ist damit ein unverzichtbares Hilfsmittel für Historiker, Fotografie-Enthusiasten und alle, die sich für das Zusammenspiel von Werbung und sozialem Wandel interessieren.

            Text: Steven P. Harrington und Jaime Rojo   Fotos: Sebastian Kläbsch

Martha Cooper . Tokyo Tattoo 1970. 2012

In "Tokyo Tattoo 1970" setzt die Fotografin Martha Cooper, die für ihre umfassende Arbeit über die Graffiti-Szene in New York City bekannt ist, ihre ethnografischen Fähigkeiten ein, um das traditionelle japanische Tätowieren zu dokumentieren. Dieses Buch bietet eine klare und respektvolle Darstellung einer geheimnisvollen und hochspezialisierten Kunstform, die in Schwarz-Weiß-Fotografie festgehalten ist. Durch Coopers Objektiv erhalten die Leser Zugang zu den traditionellen Techniken und kulturellen Erzählungen, die in der japanischen Tätowierkunst eingebettet sind, und erhalten Einblicke in eine Kunstform, die in den frühen 1970er Jahren weitgehend unzugänglich war.

Martha Coopers Fotografien zeigen, wie tief diese Praktiken in der Kulturgeschichte Japans verankert sind. Die Fotografien halten den komplizierten Prozess des Tätowierens fest, von der Vorbereitung der Werkzeuge bis zur detaillierten Ausführung der traditionellen Motive und Techniken, die auf japanische Legenden und Folklore zurückgehen. Coopers außergewöhnlicher Zugang zu Horibun I, einem Meister der Tätowierung, ermöglicht eine detaillierte Studie des Tätowierungsprozesses und seiner intimen und doch alltäglichen Natur. Ihre Fähigkeit, diese privaten Sitzungen zu dokumentieren, zeigt das Können und die Geduld, die für das traditionelle Tätowieren erforderlich sind, und gibt einen Einblick in den persönlichen Ausdruck und das kulturelle Erbe, das sich in jedem Entwurf widerspiegelt, sowie in die Ergebnisse eines sorgfältigen Studiums im Laufe der Zeit.

Das Buch befasst sich auch mit der breiteren Akzeptanz des Tätowierens und dokumentiert eine Zeit, in der diese Kunstform begann, internationale Aufmerksamkeit zu erlangen. Coopers dokumentarische Arbeit spielt eine entscheidende Rolle bei der Bewahrung der künstlerischen Praxis des Tätowierens, ohne sie zu beeinflussen oder zu redaktionell zu gestalten.

Als ausgebildete Ethnografin nähert sich Cooper ihren Themen methodisch und mit großem Respekt für kulturelle Ausdrucksformen. Das Buch wird Leser ansprechen, die sich für die Kunst des Tätowierens interessieren und die Dokumentation von Subkulturen schätzen. Es bietet eine wertvolle Perspektive auf die Kommunikation, die Entwicklung und den Einfluss von Subkulturen innerhalb der Mainstream-Kultur und bereichert unser Verständnis des menschlichen künstlerischen Ausdrucks in seiner Verbindung mit Ehre, Tradition und Studium.

            Text: Steven P. Harrington und Jaime Rojo   Fotos: Sebastian Kläbsch

NESPOON. NESPOON. 2023

"NeSpoon", eine Monografie über das Werk der polnischen Künstlerin, bietet eine umfassende Untersuchung ihrer einzigartigen Integration von Spitzenmustern in städtische und natürliche Landschaften. Das Buch, das auf 111 Exemplare mit jeweils über 420 Seiten limitiert ist, zeigt das umfangreiche Portfolio der Künstlerin und befasst sich mit der anthropologischen, kulturellen und historischen Bedeutung ihres gewählten Mediums.

NeSpoon belebt das traditionelle Handwerk des Klöppelns wieder, dessen Wurzeln bis in die Mitte des sechzehnten Jahrhunderts in Venedig und Flandern zurückreichen. Diese Mischung aus Vergangenheit und Gegenwart ist ein wiederkehrendes Thema in ihrer Kunst, da sie jahrhundertealte Designs auf zeitgenössische Umgebungen anwendet. Über die ästhetische Aufwertung hinaus zielen ihre Projekte darauf ab, Harmonie und natürliche Ordnung zu schaffen - Qualitäten, die ihrer Meinung nach den Spitzenmustern innewohnen.

"Warum Spitze? Sie ist einfach zu mir gekommen. Die Spitze hat mich auserwählt, nicht andersherum. Ich habe Spitze nie gemocht. Bevor ich anfing, mit ihr zu arbeiten, dachte ich, Spitze sei etwas Altmodisches, aus der verstaubten Wohnung meiner Großmutter. Heute habe ich den Eindruck, dass jede Spitze Harmonie, Gleichgewicht und einen Sinn für natürliche Ordnung in sich birgt. Ist das nicht genau das, wonach wir alle instinktiv suchen?"

Die Methodik wird gründlich dokumentiert, wobei der Übergang von kleineren Keramikmotiven zu großformatigen Wandbildern weltweit dargestellt wird. Die Kunst von NeSpoon, die mit Schablonen, Keramik und Garn arbeitet, dient als Medium zur Erkundung verschiedener kultureller Kontexte. Jede Installation, ob auf städtischen Gebäuden oder an Ostseestränden, basiert auf umfangreichen Recherchen und der Einbeziehung lokaler Traditionen.

Das Buch spiegelt auch NeSpoons sozialen Aktivismus wider, indem es ihre Bemühungen zur Bekämpfung der visuellen Umweltverschmutzung im öffentlichen Raum und ihren sensiblen Umgang mit vom Krieg betroffenen Gebieten wie Mostar, Bosnien und Herzegowina, hervorhebt. Diese Abschnitte unterstreichen, dass die Künstlerin die Kunst für soziale Kommentare und Veränderungen einsetzt.

In akademischer Hinsicht bietet "NeSpoon" aufschlussreiche Perspektiven für die Auseinandersetzung zeitgenössischer Kunst mit traditionellem Handwerk und gesellschaftlichen Fragen. Angereichert mit den Reflexionen der Künstlerin bietet der Band einen umfassenden Überblick über ihren künstlerischen Weg und ihre Beiträge.

Das selbst produzierte Buch bietet einen persönlichen Einblick in NeSpoons Welt ohne externe akademische Kritik oder Analyse, was Raum für weitere Interpretationen ihres Platzes innerhalb der breiteren Erzählung der zeitgenössischen Straßenkunst und ihrer Überschneidungen mit dem kulturellen Erbe und dem Engagement der Gemeinschaft lässt. "NeSpoon" ist ein bemerkenswerter Beitrag zur zeitgenössischen Kunstliteratur, insbesondere für diejenigen, die sich für die Synergie zwischen historischem Handwerk und modernen künstlerischen Praktiken, einschließlich Street Art, Graffiti und Kunst im öffentlichen Raum, interessieren.

            Text: Steven P. Harrington and Jaime Rojo Fotos: Sebastian Kläbsch

REVS, XSOUP, and ARBOR. Life's A Mission Then You're Dead. 2022

Im Pantheon der New Yorker Graffiti-Legenden um die Jahrhundertwende gibt es nur wenige Namen, die so nachhallen wie REVS. Dank der Wertschätzung, die andere Writer ihm entgegenbringen, ist "Life's A Mission Then You're Dead", das zusammen mit XSOUP und ARBOR zusammengestellt wurde, eine monumentale Hommage an die düstere Essenz und den rohen Geist der unterirdischen Graffitikultur der Stadt. Der 510 Seiten starke Band ist nicht nur eine Sammlung von Insiderinformationen, sondern auch eine umfassende Chronik des Lebens, der Gedanken und der Erfahrungen von über hundert New Yorker Graffiti-Writern. Jeder Bericht ist ein Zeugnis der ungeschminkten Realität der Straßen und fängt das Adrenalin, die Kunstfertigkeit und den Wagemut derer ein, die es wagen, ihre Spuren in der vergänglichsten aller Galerien zu hinterlassen: dem urbanen Stadtbild.

REVS, eine ebenso geheimnisumwitterte wie berüchtigte Figur, zwang die New Yorker einst dazu, sich in die Unterwelt der Stadt zu begeben, um einen Blick auf seine tagebuchartigen Tunneleinträge zu erhaschen; ausführliche und bisweilen farbenfrohe persönliche Berichte, von denen es heißt, dass es sich um 230 oder mehr handelt. Hier erweitert er seine Leinwand um Gleichgesinnte und bietet den Lesern einen direkten Zugang zu einer Welt, die bisher durch unterirdische Erzählungen in den U-Bahn-Korridoren und Gassen erhalten blieb. Seine Zusammenarbeit mit XSOUP und ARBOR geht über die traditionelle Graffiti-Dokumentation hinaus und präsentiert ein erzählerisches Mosaik, das die fragmentierte, lebendige und oft missverstandene Subkultur zusammensetzt, aus der sie hervorgegangen sind.

Die Faszination des Buches wird durch seine einzigartige Ästhetik verstärkt: Alle Cover wurden von REVS selbst handgezeichnet, was jedem Exemplar ein Gefühl von persönlicher Note und Authentizität verleiht. Diese Körperlichkeit des Buches spiegelt die greifbare, oft gefährliche Natur des Graffiti-Schreibens selbst wider - ein Medium, in dem der Akt des Schaffens ebenso flüchtig wie dauerhaft ist.

"Life's A Mission Then You're Dead" archiviert nicht nur das Vergängliche, sondern taucht auch in die Psyche des Graffiti-Writers ein und erforscht die Paradoxien von Sichtbarkeit und Anonymität, Gemeinschaft und Isolation, Vergänglichkeit und Unsterblichkeit. Die darin enthaltenen Erzählungen, die reich an individuellen Wahrheiten, Meinungen und Emotionen sind, dienen nicht nur als Aufzeichnung, sondern auch als Objektiv, durch das der Uneingeweihte einen Einblick in die komplexe, widersprüchliche Welt der Graffiti gewinnen kann.

Diese Publikation ist nicht nur für die Graffiti-Welt von Bedeutung, sondern auch für Wissenschaftler, Historiker und Enthusiasten, die sich für die Schichten unter der Sprühfarbe interessieren. Mit der kollektiven Stimme ihrer Writer erzählt sie eine Geschichte von Widerstandsfähigkeit, Rebellion und der unerbittlichen Suche nach einem Anschein von Unsterblichkeit auf den flüchtigen Leinwänden der Straßen der Stadt.

            Text: Steven P. Harrington and Jaime Rojo      Fotos Sebastian Kläbsch

Enrico Bonadio. Protecting Art in the Street: A Guide to Copyright in Street Art and Graffiti. 2020

Enrico Bonadio, ein erfahrener Experte auf dem Gebiet des Urheberrechts, befasst sich in diesem aufschlussreichen Buch "Protecting Art in the Street" mit den komplexen rechtlichen Aspekten von Straßenkunst und Graffiti. Begleitet von einem Vorwort des renommierten Graffiti-Writers, Künstlers und Historikers Zephyr, dient das Buch als gründlicher und zugänglicher Leitfaden für Künstler zum Verständnis und zur Handhabung von Urheberrechtsgesetzen.

Bonadio unterstreicht die erhöhte Anfälligkeit von Straßenkunst und Graffiti für unbefugte Nutzung und Ausbeutung. Er hebt hervor, dass diese Kunstformen, die sich häufig im öffentlichen Raum befinden, im Vergleich zur traditionellen bildenden Kunst einem größeren Risiko der Zweckentfremdung und Zerstörung ausgesetzt sind. Diese Anfälligkeit habe dazu geführt, dass zunehmend rechtliche Schritte gegen diejenigen eingeleitet werden, die diese Werke ohne Zustimmung der Künstler oder ohne angemessene Entschädigung kommerzialisieren.

Ausgehend von seiner reichen Erfahrung in Gegenden, die für ihre lebendige Straßenkunstkultur bekannt sind, wie z. B. Shoreditch im Osten Londons, unterstreicht Bonadio die Notwendigkeit eines rechtlichen Schutzes für Straßenkunst, selbst wenn diese außerhalb der rechtlichen Grenzen geschaffen wird. Er wendet sich gegen den Irrglauben, dass die öffentliche Platzierung dieser Kunstwerke gleichbedeutend mit der Aufgabe des Urheberrechtsschutzes ist, und behauptet, dass die Künstler nach wie vor Rechte an ihren Werken haben.

Das Buch bietet eine praktische Anleitung für Straßenkünstler und Graffiti-Writer, die ihre Werke durch das Urheberrecht schützen wollen. Bonadio klärt die rechtlichen Auswirkungen von Kunst im öffentlichen Raum und beschreibt die Rechte, die Künstler an ihren Werken haben, einschließlich in Auftrag gegebener und illegal hergestellter Werke. Er untersucht auch Strategien, wie man sich gegen die Zerstörung oder Entfernung von Kunst wehren kann, und zeigt Wege auf, wie Künstler aus ihren Werken einen Wert schöpfen können.

In den 2020er Jahren ist eine ganze Reihe von Argumenten aufgetaucht, die auf wegweisende Fälle wie den 5Pointz-Streit in New York zurückzuführen sind, bei dem Straßen- und Graffitikünstlern gemäß dem US Visual Artists Rights Act (VARA) Schadenersatz zugesprochen wurde. Auch wenn dieser Fall und andere ähnliche Fälle nicht in allen Aspekten direkt mit Bonadios Argumenten zusammenhängen, so unterstreichen sie doch, dass die Kluft zwischen Straßenkunst und bildender Kunst in rechtlicher Hinsicht immer kleiner wird, und stellen frühere Auffassungen über Graffiti und Straßenkunst in Frage und weisen auf festgeschriebene rechtliche Möglichkeiten zum Schutz hin.

"Protecting Art in the Street" ist nicht nur ein juristischer Leitfaden, sondern auch Bonadios wissenschaftliche Arbeit und sein Einsatz für die Rechte der Künstler. Seine Forschung beleuchtet die wachsende Relevanz des Urheberrechts für Street Art und Graffiti und bekräftigt deren Recht auf den gleichen Schutz wie andere Formen des kreativen Ausdrucks, die traditionell mehr institutionell geschätzt werden. Das Buch ist ein unverzichtbares Hilfsmittel für Künstler, Juristen und Kunstinteressierte, das ein umfassendes Verständnis der rechtlichen Rahmenbedingungen für Street Art und Graffiti vermittelt. Bonadios Arbeit erinnert die Leser an die Bedeutung des Rechtsbewusstseins in diesen künstlerischen Gemeinschaften und unterstreicht sein Engagement zur Unterstützung von Künstlern und ihrer kreativen Freiheiten.

            Text Steven P. Harrington and Jaime Rojo      Fotos Eveline Wilson