Ann Van Hulle, ROA Codex. 2019

"ROA Codex", eine umfassende Untersuchung des rätselhaften belgischen Straßenkünstlers ROA, zusammengestellt von Ann Van Hulle mit bemerkenswerten Beiträgen von Lucy Lippard und Johan Braeckman und anderen, bietet einen ungefilterten Einblick in ein Jahrzehnt der Arbeit, die konventionelle künstlerische Grenzen sprengt. ROAs Reise, die in den Industrielandschaften Belgiens beginnt, erstreckt sich auf globale Leinwände im Freien, wo seine Kunst das Alltägliche durchbricht und eine ursprüngliche Verbindung zur natürlichen Welt heraufbeschwört.

In dieser Monografie wird ROAs künstlerisches Schaffen in Form von großformatigen Wandbildern und einem ständigen Dialog zwischen unserer rätselhaft konstruierten menschlichen Existenz und dem Tierreich dargestellt. Seine Arbeiten, die oft vor unerwarteten städtischen und ländlichen Kulissen entstehen, konfrontieren den Betrachter mit dem Vertrauten und doch Unbekannten. Die Gegenüberstellung von Tieren und Architektur, die in strengem Schwarzweiß dargestellt ist, vermittelt ein unheimliches Gefühl für die Kreaturen in uns und um uns herum, die in unserem modernen Lebensstil oft vergessen werden.

ROAs Beitrag zur kultigen Ausstellung “Art in The Streets” 2011 im MOCA in Los Angeles war ein bedeutender Meilenstein in seiner Karriere, doch seine Praxis ist nicht an einen Ort gebunden. Sein Atelier ist ebenso nomadisch wie seine Kunst, und er schafft ortsspezifische Werke, die tief in den lokalen Kontext eingebettet sind. ROAs Prozess beinhaltet das Aufsammeln von Materialien aus seiner momentanen Umgebung, wobei jeder Ort neue Begegnungen und Inspirationen bietet und seine künstlerische Erzählung weiter ausbaut.

“ROA Codex” ist ein Beweis für diesen einzigartigen Ansatz und zeigt über 300 Bilder, die den globalen Fußabdruck von ROA dokumentieren. Das Buch geht tief in die Methode des Künstlers ein, lokale Umweltthemen in seine Arbeit zu integrieren, um den kritischen Zustand unseres Ökosystems und damit auch unsere Schuld zu verdeutlichen. Seine Motive, ob lebendig, skelettiert oder irgendwo dazwischen, sind mit einem rohen Realismus wiedergegeben, der die Wahrnehmung der Natur und die Erwartungen des Betrachters an Street Art in Frage stellt.

Die begleitenden Texte verschiedener Autoren ergänzen die visuelle Erzählung auf sinnvolle Weise, indem sie den Kontext zu ROAs Kunst und ihren Auswirkungen auf die Umwelt liefern und Einblicke in seine unkonventionelle Methodik bieten.

"ROA Codex" ist mehr als eine Sammlung von Straßenkunst; es ist ein unverzichtbarer Band für alle, die sich für die Überschneidung von Kunst, Umweltschutz und die Dynamik von städtischen und ländlichen Räumen interessieren. Die Arbeit von ROA ist nicht nur ein künstlerisches Unterfangen, sondern auch eine ergreifende Erinnerung an unsere oft übersehenen Mitbewohner auf diesem Planeten und ein Aufruf, sie anzuerkennen und zu schützen.

            Text Steven P. Harrington and Jaime Rojo      Fotos Sebastian Kläbsch

Herbert Kohl and James Hinton, Golden Boy as Anthony Cool. 1972

Herbert Kohls und James Hintons 1972 veröffentlichtes Buch "Golden Boy as Anthony Cool" ist ein bahnbrechendes Werk für die Erforschung von urbanen Graffiti und Straßenkultur. Es ist nicht nur eine akademische Erkundung, sondern eine Reise in das Herz von Graffiti als eine Form des persönlichen Ausdrucks, der Rebellion und der kulturellen Identität.Kohls aufschlussreiche Essays, gepaart mit Hintons stimmungsvollen Fotografien, geben einen Einblick in das Leben junger Menschen in den urbanen Landschaften von New York City und Los Angeles, die in den späten 60er und frühen 70er Jahren gleichzeitig aufkeimen, vergehen und aufblühen. Diese pulsierenden und vibrierenden Gemeinschaften werden aufgezeichnet, ob wohlhabende Vororte oder kämpfende Nachbarschaften, jede scheint voll von Geschichten zu sein, die auf kryptische Weise durch Tags und Wandmalereien an Wänden und Türen erzählt werden.

Als wichtiger Teil der Geschichte der Straßenkunst ist "Golden Boy as Anthony Cool" eine unverzichtbare Quelle für jeden, der sich für die Wurzeln der modernen Graffitikultur interessiert. Seine überzeugende Mischung aus lebendigen Bildern und tiefgründigen Analysen macht es nicht nur zu einer unschätzbaren Ergänzung der Bibliothek eines jeden Sammlers, sondern auch zu einem Portal in die dynamische Welt der urbanen Straßenkunst. Das schlichte und unaufdringliche Buch ist ein Zeugnis für die Entwicklung von Graffiti und bietet ein tieferes Verständnis für die Kunstform und die Stimmen, die sie prägen.

In diesem Buch geht es darum, den kreativen Geist, die grenzenlose Energie und das intensive Verlangen, das jungen Menschen innewohnt, zu verstehen und sich zu eigen zu machen. Dieses Buch beschäftigt sich mit den Riten und Kulturen, den Hinweisen, Fetzen und Worten, die, wenn sie zusammengefügt werden, die Geschichte der Autoren, der Writer, der Künstler und der Revolutionäre erzählen. Hier erkennen wir, dass manche Menschen durch Graffiti ausdrücken, was sie in Gegenwart anderer nicht offen aussprechen können, indem sie Anonymität und Wände als Leinwand nutzen, um ihre tiefsten Gedanken und Gefühle zu vermitteln.

"Golden Boy as Anthony Cooll" ist ein Pionierwerk in der Erforschung von textbasierten Graffiti, das noch vor ihrer Anerkennung als legitime Kunstform entstand. Diese frühe, eingehende Studie dokumentiert die aufkeimenden Praktiken des Benennens und Markierens und stellt Graffiti als eine nuancierte und ausdrucksstarke Straßensprache und nicht als bloßen Vandalismus dar. Das Buch deckt die vielschichtigen Bedeutungen urbaner Graffiti auf, von Liebes- und Loyalitätserklärungen bis hin zu Akten des Widerstands.

Dieses Buch ist mehr als nur eine Zusammenstellung von Fotografien und Essays, es ist ein Leitfaden zum Verständnis der Stadtlandschaft aus der Perspektive ihrer lautstarken Bewohner. Es erforscht die Bedeutung von Straßennamen, die sozialen und politischen Botschaften von Graffiti und gibt Einblicke in die Gemeinschaften und Individuen hinter diesen Markierungen. Kohl und Hinton fangen einen Schlüsselmoment der Kulturgeschichte ein und zeigen Graffiti als aufstrebendes Medium der Selbstdarstellung und des sozialen Kommentars.

             Text Steven P. Harrington and Jaime Rojo      Fotos Sebastian Kläbsch

Al Diaz, Eric Felisbret, and Mariah Fox. City of Kings: A History of NYC Graffiti. Second Edition 2022

"City of Kings: A History of NYC Graffiti" ist eine handwerkliche Erkundung der historischen Wurzeln der Graffiti-Szene in New York City. Entstanden aus einer prominenten Ausstellung, die von Al Diaz, Eric Felisbret und Mariah Fox mitkuratiert wurde, geht dieses Buch über die Rolle eines bloßen Katalogs hinaus und wird zu einem substantiellen Text, der einen detaillierten Überblick über die Graffiti-Bewegung auf strukturierte, akademische und fesselnde Weise präsentiert.
Al Diaz, ein ursprünglicher New Yorker Graffiti-Writer und Mitglied des einflussreichen SAMO©-Duos mit Basquiat, erzählt nicht nur von seinen eigenen Beiträgen, sondern beleuchtet auch die Geschichte der Zusammenarbeit in dieser Bewegung. Er beschreibt wortgewandt die Beharrlichkeit der Graffiti-Künstler und zeichnet ein lebendiges Bild ihrer Hingabe.

Das Buch ist in klar definierte Kapitel gegliedert, die die Entwicklung von Graffiti von "Genesis (1967-1971) The Wall Era" bis "Eternal (1989-Present) The Fields Blur" nachzeichnen. Dieser chronologische Ansatz bietet eine umfassende Darstellung der Entwicklung der Graffiti-Szene im Kontext der sich verändernden sozioökonomischen und kulturellen Landschaften. Die Autoren verwenden eine forschungsbasierte Methodik, eine umfangreiche Wissensbasis und Erzählungen aus erster Hand, um wichtige Meilensteine und Übergänge hervorzuheben.
Eric Felisbret, bekannt für seine Graffiti-Kunst als DEAL CIA und sein als Co-Autor verfasstes Buch "Graffiti New York", steuert wertvolle wissenschaftliche Erkenntnisse und archivarische Expertise bei. Seine Anwesenheit verleiht dem Buch Glaubwürdigkeit in Bezug auf die sachliche Genauigkeit und historische Tiefe.

Mariah Fox, eine Pädagogin und Kuratorin, verleiht der Präsentation eine akademische Stringenz und zollt gleichzeitig der Graffitikultur und ihren Akteuren Respekt. Ihr Hintergrund in Grafikdesign und Illustration, gepaart mit einem wissenschaftlichen Verständnis von Graffiti, resultiert in einem lehrreichen und visuell kohärenten Erzählstil. Fox stellt sicher, dass das Material inklusiv und leicht zugänglich aufbereitet ist und somit eine wertvolle Ressource für Lehrkräfte und Schüler darstellt.
In dem Buch kommen verschiedene Stimmen aus der Graffiti-Gemeinschaft zu Wort, darunter Pioniere und Kritiker, die zahlreiche Perspektiven auf die Graffiti-Kultur, ihre Codes, ihren Einfluss und ihre Entwicklung bieten. Diese Einblicke, die von Praktikern und Beobachtern, die tief in die Szene eingetaucht sind, geteilt werden, bieten den Lesern einen klaren und unverstellten Blick auf viele Komplexitäten und Debatten innerhalb der Graffiti-Erzählung.

"City of Kings" geht über die Rolle eines Ausstellungskatalogs hinaus und wird zu einem unverzichtbaren Text für Pädagogen, Historiker und Enthusiasten. Es bietet eine zuverlässige, abgerundete und authentische Quelle für das Verständnis der reichen und komplizierten Geschichte von Graffiti in New York City. Durch ihre einzigartige Perspektive als Praktiker, Wissenschaftler und Kuratoren präsentieren die Autoren einen lehrreichen Bericht über die Geschichte von Graffiti und respektieren dabei ihre Wurzeln und ihr Erbe.

            Text Steven P. Harrington and Jaime Rojo    Fotos Sebastian Kläbsch

Michael White (Kurator): "Dondi White (1961-1998): Dondism". Exhibition Retrospective Catalogue 7 avril- 10 mai 2018. 2018

"Dondi: Dondism" ist ein Katalog zu einer Retrospektive, die 2018 in der Ghost Galerie in Marseille stattfand, um zwei Jahrzehnte nach dem Tod von Dondi, einer Ikone der New Yorker Graffiti-Bewegung der 1970er und 1980er Jahre, zu gedenken. Die von seinem Bruder Michael White kuratierte Ausstellung zeigte über 40 Kunstwerke aus europäischen Privatsammlungen. Diese reichten von Gemälden auf Leinwand, Skizzen und Collagen auf Papier bis hin zu Fotografien von bekannten Fotografen wie Martha Cooper, Henry Chalfant und Sophie Bramly. Der Katalog enthält auch einen ergreifenden Essay von Herrn White zum Gedenken an Donald J. White, besser bekannt als Dondi.

Dondi wurde 1961 in Manhattan geboren und zog im Alter von sechs Monaten in den East New Yorker Stadtteil Brooklyn um. Obwohl seine prägenden Jahre von Herausforderungen geprägt waren und er sich aus Gründen der Selbsterhaltung Straßengangs anschloss, begann Dondi in den 1970er Jahren seine Graffiti-Reise. Anfänglich benutzte er verschiedene Pseudonyme wie BUS 129 und MR WHITE, bis er gegen Ende des Jahrzehnts den Namen DONDI annahm. Seine Zugehörigkeit zu Graffiti-Crews entwickelte sich im Laufe der Zeit, von TOP zu seiner eigenen Crew, CIA (Crazy Inside Artists).

Der Katalog unterstreicht Dondis bahnbrechenden Beitrag zur damals aufkeimenden Graffiti-Szene und hebt seinen einzigartigen Schreibstil hervor, der sich durch lesbare, dynamische und kompliziert gestaltete Buchstaben auszeichnet. Seine Serie "Children of the Grave" (Kinder des Grabes), die aus drei ganzen Waggons besteht, die zwischen 1978 und 1980 in der New Yorker U-Bahn bemalt wurden, ist ein Zeugnis seines Könnens.

Dondis Einfluss beschränkte sich nicht auf die Underground-Kunst, sondern er überbrückte die Kluft zwischen der Straßenkultur und der konventionellen Kunstszene. So nahm er 1981 an der von Futura und Fab Five Freddy organisierten Ausstellung "Beyond Words" (Jenseits der Worte) neben Größen wie Keith Haring teil. Später in den 1980er Jahren stellte er seine Leinwandarbeiten in der Fun Gallery von Patti Astor aus, wo er mit Künstlern wie Basquiat und Haring auf Tuchfühlung ging.

Dondi, der 1998 auf tragische Weise verstarb, hat mit seinem kompromisslosen Engagement und seiner Innovationskraft in der Graffiti-Bewegung unauslöschliche Spuren hinterlassen. Durch Ausstellungen wie "Dondi: Dondism" und den dazugehörigen Katalogen werden sein bleibendes Vermächtnis und der tiefgreifende Einfluss, den er sowohl auf die Graffiti-Gemeinschaft als auch auf die breitere Kunstwelt ausübte, weiterhin gefeiert.

            Text  Steven P. Harrington and Jaime Rojo  Fotos Sebastian Kläbsch

Steven P. Harrington, Jaime Rojo, and Martha Cooper, Martha Cooper: Taking Pictures. 2020

"Martha Cooper: Taking Pictures" ist Buch und Katalog zur gleichnamigen Ausstellung über die fotografische Karriere von Martha Cooper im Urban Nation Museum in Berlin (04. Oktober 2020 - 15. Mai 2022). Das Buch zeigt in großzügigen Bildstrecken Marthas fotografische Reise durch sechs Jahrzehnte, wobei der Schwerpunkt auf Coopers bahnbrechender Dokumentation der aufkommenden Graffiti- und Hip-Hop-Bewegung in New York City Ende der 1970er Jahre liegt. Darüber hinaus enthält das Buch auch weniger bekannte Serien, die sich mit der japanischen Tattoo-Kultur befassen, und andere, die sich mit ihrer fesselnden Straßenfotografie befassen. Eine Sammlung von Essays bereichert die Publikation. Zu den Autoren gehören der Kunstkritiker, Kurator und Autor Carlo McCormick, die Autorin und Fotografin Nika Kramer, der Autor, Kurator und Hip-Hop-Historiker Akim Walta, die leitende Fotoredakteurin von National Geographic, Susan Welchman, der Kurator für Drucke und Fotografien am Museum of the City of New York, Sean Corcoran, sowie die Kuratoren der Ausstellung, Jaime Rojo und Steven P. Harrington.

Martha Cooper ist eine in Manhattan ansässige Dokumentarfotografin, die für ihre fesselnden Darstellungen der Graffiti- und Hip-Hop-Kultur bekannt ist, die als grundlegend für die Archivierung gelten und weltweite Anerkennung und umfangreiche Veröffentlichungen erlangt haben. "Martha Cooper: Taking Pictures", ein bahnbrechendes Unterfangen, das die erste umfassende Retrospektive von Martha Coopers bisherigem fotografischen Werdegang darstellt. Diese Publikation ist ein bleibendes Zeugnis, das nicht nur die Essenz der Ausstellung erläutert, sondern auch einen Überblick über Marthas übergreifenden Einfluss auf die Fotografie im Allgemeinen gibt und gleichzeitig einen integralen Bestandteil der Graffiti- und Hip-Hop-Geschichte darstellt.

Das gebundene Buch enthält einen Schatz an bisher unveröffentlichten Fotos, begleitet von aufschlussreichen Interviews und einem Kompendium von 40 ergreifenden Zitaten, die von einem eklektischen Spektrum von Marthas Zeitgenossen, Künstlern und Autoritäten aus den Bereichen Fotografie, Folklore, Graffiti und Hip Hop stammen. Die Zusammenstellung umfasst auch Weggefährten, langjährige Freunde und geschätzte Familienmitglieder. Die Zusammenstellung umfasst auch Weggefährten, langjährige Freunde und geschätzte Familienmitglieder. Besonders erwähnenswert ist das Cover des Buches, das von einem selten zu sehenden Foto geziert wird, das die Essenz des Graffiti-Writers Skeme einfängt, der in den urbanen Weiten von New York City waghalsig auf Zügen surft, wie es 1982 von Marthas scharfsinniger Linse verewigt wurde.

Das Buch gliedert sich in neun verschiedene Abschnitte, die jeweils Coopers fesselnden Fotografien gewidmet sind und von einer erhellenden Einleitung begleitet werden. Diese Abschnitte sind wie folgt: Graffiti, Street Play, Hip Hop, New York City, Martha's World, Martha Remixed, Tokyo Tattoo, Artist at Work und Sowebo/Soweto 2006-16.

Das 230 Seiten starke Buch wird von Urban Nation Museum für urbane und zeitgenössische Kunst, Berlin, und Steven P. Harrington / Jaime Rojo (BrooklynStreetArt.com) herausgegeben. Das Buch ist im Geschenkeladen des Museums erhältlich und kann im Lesesaal eingesehen werden.

            Text  Steven P. Harrington and Jaime Rojo  Fotos Sebastian Kläbsch

Zebster, Martha Cooper & Henry Chalfant. On the Run Magazine, Black Books Volume 3: SEEN. 1999

Dieser Hochglanz-Fotoband mit farbigen Beschnittbildern aus der Graffiti-Karriere des in der Bronx geborenen Graffiti-Writers Richard "SEEN" Mirando aus den 1970er bis 1990er Jahren bündelt die Breite und Tiefe seines kreativen Schaffens in einem Band. Throw-Ups, Blockbuster, Handballfelder, ganze Autos von oben bis unten - sie alle sind hier zu sehen, einige von ihnen wurden von den berühmten Fotografen Martha Cooper und Henry Chalfant abgelichtet.

SEEN prägte die Graffiti-Welt, als äußerst vielseitiger und einflussreicher Künstler mit außergewöhnlichen Fähigkeiten und einem breiten visuellen Repertoire, das sich im goldenen Zeitalter der frühen Graffiti über Dutzende oder Hunderte von New Yorker U-Bahnen erstreckte. Im Laufe seiner Karriere hat SEEN verschiedene Pseudonyme verwendet, die jeweils eine bestimmte Facette seines kreativen Ausdrucks repräsentieren. Als er 1983 in dem bahnbrechenden Film "Wild Style" unter der Regie von Charlie Ahearn zu sehen war, erlangte er internationale Anerkennung für seine innovativen Graffiti-Arbeiten, die sich durch komplexe Wildstyle-Schriftzüge, leuchtende Farben und komplizierte Designs auszeichnen.

Das Magazin zeigt Fotos von Zügen und Wänden, die SEEN als Teil der UA (United Artists Crew) bemalt hat. Er hat nicht nur das New Yorker U-Bahn-System unauslöschlich geprägt, sondern auch die Ästhetik und Techniken der Graffiti-Kunst weltweit entscheidend mitgestaltet. Seine vielen Alias-Namen ermöglichten es ihm, in der Graffiti-Subkultur mit verschiedenen Stilen zu experimentieren, darunter die Pseudonyme "Richie", "Apache", "MAD" und "Madseen", von denen jeder hier eine großzügige Rolle einnimmt.

Als Bonus, der das Verständnis des Lesers für den Künstler und die Szene in diesen goldenen Zeiten fördert, sind Schnappschüsse enthalten, wie einer mit SEEN und dem Schriftsteller LEE Quinones von der Fabulous Five Crew, die zusammen Dosen halten - "hanging out checking flicks at SEEN'e home summer, 1979". An anderer Stelle sehen Sie Fotos von ihm in Aktion und natürlich ein Standbild aus Style Wars. Sein Interesse an den Zeichentrickfiguren, die in der frühen, von Kindern und jungen Teenagern bevölkerten Zeit dieser Szene populär waren, ist hier mit bekannten Figuren wie Howard the Duck, Porky Pig und dem Unglaublichen Hulk vertreten.

Diese frühen Bilder sind in den meisten Fällen die einzige Aufzeichnung der Arbeit, und die Bildunterschriften, so kryptisch sie auch sein mögen, liefern manchmal eine zusätzliche Ebene von Details über Freundschaften, den Standort des Zuges, die Zugstrecke und möglicherweise die Wetterbedingungen.

“SEEN, J.SON, summer 1982

painted in the 6 yard (Bronx) on I.R.T. #6 train along with J.Son (the mob)”

" ‘Just Beautiful’ by SEEN and Zephy along on other cars with Daze, Dondi and Noc. 167 (when he made his comeback piece that night) in the #2 Yard, New Lots, Brooklyn”

“SEEN Blockbuster, ice cold winter 1979

side of gas station along the elevated tracks of da #6”

Die Fotosammlung wird traditionell

präsentiert, manchmal ohne den höchsten Produktionswert, aufgrund der chaotischen Untergrundszene, in der die Kunst möglicherweise nicht und innerhalb von Stunden nach ihrer Entstehung wieder gelöscht werden kann. Doch diese Sammlung von SEEs Arbeiten zeichnen sich jedoch auch durch seine technischen Fähigkeiten, seine lebendige Farbpalette und die Fähigkeit, die Grenzen des traditionellen Graffiti mit Buchstaben zu überschreiten. Es ist offensichtlich warum seine innovativen und einflussreichen Beiträge zur Graffitikunst Graffiti-Kunstform seinen Platz als bedeutende Figur in der Graffiti Subkultur und der gesamten zeitgenössischen Kunstwelt gefestigt haben.

            Text  Steven P. Harrington and Jaime Rojo  Fotos Sebastian Kläbsch

Claudia Walde  & Luisa Heese. MadC: Street to Canvas. 2022

"MadC: Street to Canvas" ist eine fesselnde Monografie, die sich mit der Karriere von Claudia Walde, bekannt als MadC, einer produktiven Künstlerin und Wandmalerin, befasst. Die 1980 geborene MadC begann ihre künstlerische Reise in den 1990er Jahren als Graffiti-Künstlerin in Bautzen, Deutschland, und verließ schließlich die lokale Szene, um in über 35 Ländern weltweit großformatige öffentliche Wandbilder zu schaffen. Im Laufe der Zeit haben ihre Wandgemälde und Leinwände, die mit ihren abstrakten Kompositionen aus geschwungenen Linien und transparenten Schichten aus leuchtenden Farben die Grenzen zwischen Straßenkunst und bildender Kunst verwischen, große Anerkennung gefunden.

Das Buch beleuchtet umfassend die künstlerische Entwicklung von MadC, von ihren frühen Graffiti-Tagen bis zu ihren jüngsten Arbeiten. Es dient als Monografie, die ihr vielfältiges Werk zeigt, das sowohl Leinwandarbeiten als auch großformatige Wandbilder an verschiedenen Orten rund um den Globus umfasst, darunter London, Kopenhagen, die Malediven und Abu Dhabi. Mit über 200 Kunstwerken und persönlichen Fotografien veranschaulicht das Buch MadCs Verwendung von Farbe und Dynamik, die sie mit Sprühdosen und Pinselstrichen einfängt. Der Leser erhält einen Einblick in die Unverwüstlichkeit und die Hingabe der Künstlerin, die ihre Werke in Galerien, Privatsammlungen und Institutionen einbrachte.

Zusätzlich zu den reichhaltigen farbigen Abbildungen webt das Buch gekonnt biografische Details und ästhetische Beschreibungen in die Erzählung ein und bietet dichte und farbenfrohe Prosa, die MadCs künstlerische Hartnäckigkeit und Hingabe näher beleuchtet. Durch diesen Ansatz wird MadCs künstlerische Praxis effektiv in den kulturellen Kontext von Graffiti eingebettet. Der Leser verfolgt ihren Weg vom Lehrling zur Meisterin der Graffitistile und -sprachen und wird Zeuge der Entwicklung ihrer Techniken, Methoden und visuellen Sprache. Das Buch stellt den kreativen Prozess der Künstlerin vor und zeigt, wie sich ihre Arbeit von dekonstruierten Formen zu ausgewogenen Kompositionen entwickelt, die ein Gefühl von Freiheit und Energie ausstrahlen.

Ein besonderes Highlight des Buches ist die von MadC im Jahr 2010 in Peissen, Deutschland, gemalte 700 Wall. Dieses monumentale Kunstwerk dient als Aerosol-Autobiografie, die ihre Entwicklung als Künstlerin innerhalb der geheimnisvollen Graffiti-Subkultur zeigt. Durch die dramatische Darstellung ihres Innenlebens wird die 700 Wall zu einer fesselnden Projektion von Träumen, Albträumen und persönlichen Sehnsüchten. Die Erzählung, die dieses Graffiti-Meisterwerk umgibt, bietet einen faszinierenden Einblick in die Codes und die Kultur, die MadCs künstlerische Identität geprägt haben.

"MadC: Street to Canvas" ist ein visuelles Vergnügen für Kunstliebhaber und ein Zeugnis für die Kraft der Kunst als universelle Sprache, die verbindet und inspiriert. Claudia Waldes Weg vom Graffiti-Writer zur renommierten Wandmalerin wird in dieser Monografie minutiös aufgezeichnet und festigt ihren Status als gefragte Künstlerin, deren Werk nahtlos von der Straße in die Galerie übergeht.

            Text Steven P. Harrington and Jaime Rojo Fotos Sebastian Kläbsch

The Faith of Graffiti. Norman Mailer & Jon Naar. 1974

In seinem bemerkenswerten Essay aus dem Jahr 1974, der hier in ein Buch umgewandelt wurde, mit dem Titel "The Faith of Graffiti" (Der Glaube an Graffiti), untersucht Norman Mailer, ein amerikanischer Schriftsteller, Romancier und Journalist, Graffiti als einen bedeutenden künstlerischen und politischen Ausdruck. Von Anfang an legt Mailer einen fesselnden Ton an den Tag, indem er die Namen von Graffiti-Writern wie CAY 161, TAKI 183 und JUNIOR 161 nahtlos mit denen verehrter Meister aus verschiedenen Kunstbewegungen der Geschichte, darunter Botticelli, Michelangelo, Leonardo, Rothko und Ellsworth Kelly, verwebt. Auf diese Weise verleiht Mailer der Arbeit von Graffiti-Writern Geltung und erkennt Graffiti selbst als eine bedeutende Kunstbewegung des 20. Jahrhunderts an.

Der Vergleich Mailers stieß auf Kritik und löste Debatten aus, insbesondere wegen der Bedenken, dass er etwas legitimieren könnte, was manche als bloße Sachbeschädigung ansahen, aber auch sein einzigartiger Schreibstil wurde in Frage gestellt. Kritiker argumentierten, dass seine Außenseiterperspektive ihn möglicherweise daran hinderte, die Subkultur genau zu verstehen, und dass seine Beschreibungen von Graffiti übermäßig romantisiert waren. Es überrascht vielleicht nicht, dass der Aufsatz auch Vorwürfe der kulturellen Aneignung aufkommen ließ.

Trotz dieser Kritik bleibt "The Faith of Graffiti" ein zum Nachdenken anregendes und beeindruckendes Stück Literatur, das sich mit der komplizierten Beziehung zwischen Graffiti, Kunst und Gesellschaft beschäftigt. Mailers Untersuchung von Graffiti als eine Form des künstlerischen Ausdrucks, die mit politischen und sozialen Kontexten verwoben ist, bietet den Lesern eine fesselnde Linse, durch die sie diese dynamische Kunstform betrachten können.

In seiner Rezension in der New York Times von 1974 schrieb John C. Lane: "Jon Naar und Norman Mailer haben ein bemerkenswertes und schönes Buch vorgelegt, das in Wort und Bild die Lebendigkeit und Hingabe der jungen "Writer" der U-Bahn-Wagen einfängt, jener Wandmaler, die ihr Talent in Graffiti verwandelt haben... Es sind die Fotografien in diesem Buch, die am meisten in Erinnerung bleiben."

"The Faith of Graffiti" ist nach wie vor relevant, weil es eine entscheidende künstlerische Bewegung dokumentiert, die schließlich das Stadtbild weltweit verändern und nachfolgende Künstlergenerationen beeinflussen sollte. Es dient auch als Zeitkapsel, die den Geist der Kreativität, der Rebellion und des Selbstausdrucks einfängt, der die Graffitikultur dieser Ära prägte. Aus fotografischer Sicht handelt es sich um ein visuell fesselndes und historisch bedeutsames Buch, das einen Einblick in einen umwälzenden Moment der Kunstgeschichte bietet und zur Diskussion anregt, indem es die Leser dazu einlädt, das facettenreiche Wesen der Graffitikultur zu erkunden - und gleichzeitig zu einer kritischen Auseinandersetzung mit ihrer Darstellung durch Menschen außerhalb des ursprünglichen Kerns ihrer Schöpfer anregt.

            Text Steven P. Harrington and Jaime Rojo    Fotos Sebastian Kläbsch

Permanently Improvised. Various & Gould, 2019

Das Wort "improvisiert" könnte zu der Annahme verleiten, dass Straßenkünstler ohne Planung arbeiten und auf ein Wunder hoffen. Various & Gould, ein in Berlin ansässiges Street-Art-Duo, sind jedoch von einem skurrilen Geist beseelt und nehmen unerwartete Ergebnisse in Kauf, doch ihr 15-jähriges Werk ist von umfassender Planung und zielgerichteter Überlegung geprägt. Sie widmen sich dem wissenschaftlichen Prozess des Experimentierens, Entdeckens und Analysierens, was sie zu einer eigenen Kategorie unter den vielen Künstlern in dieser Ära des persönlichen Ausdrucks im öffentlichen Raum macht.

Das Buch "Permanently Improvised" bietet einen Überblick über acht große Kampagnen, die das Duo von Mitte der 2000er bis Ende der 2010er Jahre an verschiedenen Orten wie Straßen, Parks und versteckten Hauseingängen durchgeführt hat. Begleitet wird dieses umfassende Werk von analytischen Essays von Stadt- und Kunstintellektuellen, Aktivisten und Experten, darunter Jan Kage, Steven P. Harrington, Toby Ashraf, Alison Young, Luis Müller Phillip-Sohn, Ilaria Hoppe, Anne Wizorek, Mohamed Amjahid, sowie einem aufschlussreichen Interview mit den Künstlern und Polina Soloveichik. Außerdem sind Bilder in situ enthalten, die es dem Leser ermöglichen, die verrückte, kryptische innere Fantasiewelt des Duos zu erleben und einen Einblick in ihre eigenwillige Herangehensweise zu gewinnen - und in die Möglichkeiten des hybriden Denkens in der Zukunft.

Various & Gould ist ein Künstlerduo, das in den ersten beiden Jahrzehnten des Jahrhunderts ein fester Bestandteil der Berliner Kunstszene war. Ihre Arbeit zeichnet sich durch einen gesellschaftskritischen Ansatz aus, der sich auf unkonventionelle und spielerische Weise mit Themen wie Vielfalt, Migration, technologische Innovation, Geschlechterrollen und der Definition von Arbeit auseinandersetzt. Ihre Liebe zum Papier ist offensichtlich, auch wenn es sich unter den rauen Bedingungen der Stadt als zerbrechlich erweist. Ihre handgefertigten Werke sind eine elektrisch geladene Deklaration der Hoffnung an verschmutzten Stadtmauern und umfassen mehrfarbige Patchworks aus collagierten Gesichtern, Punkt für Punkt gemalte Rasterwandbilder, lebendige Papierabgüsse von Denkmälern und große Bilder zertrümmerter Smartphones, die als Tiefdruckplatten verwendet werden.

Die erste Monografie über die Arbeit von Various & Gould ist ein mittelgroßes, gebundenes Buch mit lehrreichen und anschaulichen Bildern ihrer Werke, die illegal auf der Straße platziert wurden, im Atelier entstanden sind, in Galerien präsentiert werden und in einem Fall auf öffentlichen Skulpturen von Marx und Engels aus Pappmaché bestehen. Die Arbeiten werden mit aufrichtiger Gelehrsamkeit und Humor präsentiert, selbst während des Entstehungsprozesses, der Interaktion mit der Öffentlichkeit und der Zersetzung durch natürliche Einflüsse.

Die Kampagnen auf der Straße sind mit dem Wissen um Politik, Geschichte und soziale Kommentare gestaltet und vermitteln dem Betrachter eine größere Wertschätzung für die stammesähnliche Mentalität, die die Menschen unter der Fassade der Höflichkeit besitzen - ein trockenes Holz, das darauf wartet, in Flammen aufgehen zu können. Beispielsweise wurden im Rahmen der Kampagne "Wanted Witches" 13 Porträts moderner Pioniere in gesellschaftspolitischen Fragen mit Phosphor bemalt und die Betrachter aufgefordert, ein Streichholz an ihnen anzuzünden, wodurch die öffentliche Interaktion über den uns vertrauten Rahmen hinausging. Die sorgfältig geplante und ausgeführte Installation auf den Straßen der Stadt hat das heiligengleiche Opfer von Menschen, die uns vorausgehen und manchmal als Hexen auf dem Scheiterhaufen verbrannt werden, kraftvoll in Szene gesetzt - sei es im wörtlichen Sinne oder vielleicht durch feindselige Medien und politisierte Rhetorik.

Einem Großteil der Arbeiten von V&G liegt eine Untersuchung der Identität zugrunde, ihrer Formbarkeit, ihrer Flüchtigkeit und ihrer wahrgenommenen Relevanz in gesellschaftlichen Schichten. Viele Projekte meditieren über unser flexibles Selbst, wie z. B. Identikit, das Persönlichkeiten und Schlüsselwörter austauscht, um Spannungen darzustellen und Assoziationen zu untersuchen; St. Nimmerlein, das sich über die willkürliche Macht der Heiligsprechung mit fiktiven Persönlichkeiten lustig macht, die es sicher nicht verdienen; und "Face Time", eine dadaistische Studie, die die Ähnlichkeiten und Merkmale vieler Menschen zu unglaubwürdigen, aber vertrauten Glitch-Menschen kombiniert. In der frühen Kampagne "Rabotniki" werden Körper, Teile, Geschlechter, Klassen und Identitäten auf eine handgemachte, herzbewusste Art und Weise vermischt und angepasst.

Ihr einzigartiger Ansatz ist das Schneiden und Kleben mit Weizenstärkekleister, eine Improvisationstechnik, die Entdeckungen, Einsichten und Humor zulässt. Das lässt sich gut auf ihre respektierte zeitgenössische Kunstpraxis übertragen. "Permanently Improvised" ist eine Hommage an V&Gs einzigartige Herangehensweise an die Street Art und ihren historischen Beitrag zur Berliner Straßenkunstszene und darüber hinaus.

            Text: Steven P. Harrington and Jaime Rojo    Fotos: Sebastian Kläbsch

One Week with 1UP. Martha Cooper, Ninja K & 1UP Crew, 2018

"One Week with 1UP" ist ein adrenalingeladener Ritt durch die Berliner Graffiti-Szene, der den Geist der Rebellion einfängt, der dieser Kunstform seit ihren Anfängen innewohnt. Das Buch ist das Ergebnis eines zufälligen Treffens zwischen der erfahrenen Fotojournalistin und Ethnografin Martha Cooper und der berüchtigten Berliner Graffiti-Crew 1UP. Zusammen mit der Fotografin Ninja K nimmt Cooper die Leser mit auf einen verborgenen Weg durch die Straßen Berlins, wo die 1UP-Crew verschiedene Techniken und Plattformen nutzt, um sich ihren Weg zum Ruhm zu malen.

Diese moderne Paarung fängt den widerspenstigen Geist des Graffiti der letzten 50 Jahre ein und bringt ihn selbstbewusst in die 2010er Jahre. Die Fotografin, die die Szene seit den 1970er Jahren dokumentiert, folgt 1UP, einer der bekanntesten Graffiti-Crews in Berlin, um ihren Prozess, ihre Technik und das endgültiges Ergebnis festzuhalten. Coopers Erfahrung mit dem Aufschwung von Graffiti in New York in den 70er und 80er Jahren macht sie zur idealen Person, um den aktuellen Stand der Szene zu dokumentieren: Sie spielt die Rolle einer Graffiti-Seherin aus der Vergangenheit und erkennt die gleiche Leidenschaft in der heutigen Jugend, die neue Technologien und Techniken einsetzt, um an die Wand zu bringen.

Über Dächer rennen, sich von Wänden abseilen, sich durch Zäune ducken, Treppen hinunterrennen - die 1UP-Crew plant jede Mission gründlich und gibt sich große Mühe, sie auszuführen. Das Buch bietet einen seltenen Blick hinter die Kulissen der Berliner Graffiti-Szene im 21. Jahrhundert, einer Stadt, die die Bohemiens und Rebellen umarmt, die weite Teile ihres Stadtbildes umgestaltet haben und Berlin damit zu einer de facto Hauptstadt der Subkultur gemacht hat, vor allem unter den jungen Leuten.

Coopers langjährige Erfahrungen als Fotojournalistin und Dokumentarfilmerin ermöglichen einen offenen und ungefilterten Blick durch die Linse.  Sie halten das Buch auf dem Boden der Tatsachen, ohne ins Heroisierende abzugleiten, sondern fangen die Energie und Aufregung der verbotenen Aktionen der 1UP-Crew ein. Obwohl ohne Worte erzählt es eine Geschichte durch Bilder von Hingabe, Entschlossenheit, Beharrlichkeit und Tapferkeit.

"Illegale Graffiti sind immer noch eine Art Wettstreit zwischen den Writern auf der einen und den Cops auf der anderen Seite. Writer, die verlieren, können ins Gefängnis gehen", schreiben Cooper und Ninja K im Nachwort. "Der Erfolg wird daran gemessen, dass die Werke an Wänden oder Zügen angebracht werden. Uns schien es bei manchen Aktionen mehr um den Nervenkitzel zu gehen als darum, ein cooles Stück zu malen - je höher die Gefahr, desto höher die Punktzahl, wobei 1UP in der Regel die Nase vorn hatte."

Das Buch regt vielleicht unbeabsichtigt dazu an, die Auswirkungen von Graffiti auf Kunst, Vandalismus, Branding sowie den öffentlichen und persönlichen Raum zu untersuchen. Neben den offensichtlichen und beeindruckenden visuellen Ergebnissen beleuchtet der Eindruck einiger dieser Exkursionen die Rolle von Graffiti in der modernen Gesellschaft und ihre Beziehung zur Stadt und zum privaten/staatlichen Eigentum. Die Fotos werden von einem Tagebuch mit Erfahrungen, Meinungen und witzigen Beobachtungen begleitet. Dieses Katz-und-Maus-Abenteuer mit der Obrigkeit ist aufrichtig, satirisch und in seinem Humor sogar sadistisch. Manchmal erreichen die psychologischen Planungen und Theorien militärische Dimensionen, und dann erinnert man sich wieder daran, dass es hier nur um Malerei geht.

"Auf geht's! 10 Writer, 3 “Checker”, 2 Videofilmer und 2 Fotografen rennen die Treppe zum Zug hinunter, während die Fahrgäste fassungslos zusehen."

Manche mögen die unkonventionelle Kunst der 1UP-Crew darin sehen, physische Sicherheit und soziale Grenzen zu überschreiten, und das Buch gibt einen einzigartigen Einblick in ihre Denkweise; hier wird nach dem Prinzip der Solidarität gearbeitet, bei dem jedes Mitglied dazu beiträgt, den Erfolg der Mission und die Sicherheit aller zu gewährleisten. "One United Power steht für Einheit", heißt es im Vorwort, "ohne individuelle Namen und vor allem ohne Egoismus." Diese Philosophie spiegelt den Glauben der Crew an Zusammenarbeit und Teamwork wider, was in einer Kunstform, die sich durch individuellen Ausdruck auszeichnet, eher ungewöhnlich ist.

"Das Zusammensein mit der Crew gab uns einen tiefen Einblick in die Werkzeuge, Techniken, Motivationen und Persönlichkeiten der heutigen Graffiti-Writer", sagen die Fotografen. "Wir fühlten uns privilegiert, weil wir ihnen dabei zusehen durften, wie sie sich akribisch auf einige ihrer komplizierten Aktionen vorbereiteten. Wir hatten oft das Gefühl, in einem Spionagefilm zu sein, mit Brennertelefonen, Masken, verschlüsselten Nachrichten und einem verborgenen Netz von Menschen, die zusammenarbeiten, um die Sicherheit aller zu gewährleisten.

“One Week with 1UP” ist ein Muss für jeden, der sich für den aktuellen Stand von Graffiti und Street Art interessiert. Es bietet einen außergewöhnlichen Einblick in die Welt einer besonders berüchtigten Graffiti-Crew und dokumentiert ihre Aktionen in atemberaubenden Details. Es ist ein Buch, das den Lesern eine neue Wertschätzung für die Graffitikunst und ein tieferes Verständnis für die Kultur, die sie umgibt, vermitteln kann.

            Text: Steven P. Harrington and Jaime Rojo   Fotos Sebastian Kläbsch

Let Her Be Free. ICY and SOT, 2016

"Let Her Be Free" beschreibt die Reise der iranischen Brüder Icy und Sot als Straßenkünstler und die Entwicklung ihrer Arbeit im Laufe des Jahrzehnts von Mitte der 2000er bis Mitte der 2010er Jahre. Das Buch zeigt den Aktivismus der Brüder durch ihre Kunst und ihre Bemühungen, die Aufmerksamkeit auf viele wichtige soziale und politische Themen zu lenken, darunter Menschenrechte, die politische und persönliche Autonomie der Frauen, Umweltgerechtigkeit, Migration, Waffengewalt, Kapitalismus, die Auswirkungen des Krieges, Obdachlosigkeit, Polizeibrutalität, der palästinensisch-israelische Konflikt, Meinungsfreiheit und Kinderschutz.

Aufgewachsen in Tabriz, Iran, nahmen Icy und Sot als Teenager an einer Straßenkultur teil, die Skateboarding und eine langsam aufkeimende Straßenkunstszene umfasste, was vielleicht ihren Wunsch nach Selbstdarstellung und persönlichem Aktivismus nährte. Sie begannen, mit verschiedenen Techniken und Stilen an Orten wie Teheran zu experimentieren, wo lokale Künstler wie A1one, Magoi, CK1 und Bigchiz die Straßenkunstszene dominierten und andere inspirierten. Als die Nachrichten über das aufkommende Wachstum der Straßenkunst im Westen im Internet an Bedeutung gewannen, wurden die Brüder auch von internationalen Straßenkünstlern wie Banksy beeinflusst, zu denen sie als Vorbilder aufschauten.

Sie verließen ihr Heimatland und zogen nach Brooklyn, New York, um ihre Fähigkeiten weiterzuentwickeln und dank Ausstellungen und Presseberichten eine breitere Anerkennung als Straßenkünstler zu erlangen. Ihre Arbeiten wurden durch die Verwendung von Schablonen bekannt, die oft mit eindeutigen politischen Botschaften unterlegt waren. In den nächsten zehn Jahren reisten Icy und Sot durch die ganze Welt und stellten ihre Werke in Ländern wie den USA, Deutschland, China, Norwegen, Italien und Australien aus. Sie arbeiteten mit anderen Künstlern zusammen, kletterten an Wänden hoch, hingen von Leitern, fuhren mit Skates durch die Straßen und experimentierten mit verschiedenen Materialien und Techniken, um ihre Kunst zu schaffen - die zunehmend auf Street-Art-Festivals und in Galerien zu sehen ist.

Die Arbeiten von Icy und Sot wurden oft mit denen von Banksy verglichen, vor allem im Hinblick auf ihre gemeinsame Nutzung der Kunst als Stimme für die Stimmlosen. Sie nutzen ihre Straßenkunst, um sich der Zensur zu widersetzen, akzeptierte konventionelle Weisheiten in Frage zu stellen und auf Machtmissbrauch aufmerksam zu machen, wobei sie komplexe soziale und politische Themen sowohl indirekt als auch direkt zum Ausdruck bringen können.

Das Buch ist mit über 200 Farbbildern gefüllt, die die Kunst der Brüder dokumentieren und ihre Arbeit im Iran und in Städten auf der ganzen Welt zeigen und eine Retrospektive ihrer Entwicklung als Straßenkünstler in den ersten zehn Jahren bieten. "Let Her Be Free" wird von Jess X Chen vorgestellt und enthält ein Nachwort von Jaime Rojo und Steven P. Harrington, den Gründern von Brooklyn Street Art. Das Buch enthält auch Zitate von prominenten Straßenkünstlern und Zeitgenossen, darunter John Fekner, Faith47, Niels "Shoe" Meulman, Hugo Kaagman und Adam Neate. Es ist ein eingehender Blick auf die Arbeit der Brüder, die zunächst für ihre schrille, aktivistische und menschliche Stimme auf der Straße bekannt wurde und wahrscheinlich eine neue Generation von Künstlern inspiriert hat, die auf die Themen aufmerksam machen wollen, die ihnen wichtig sind.

            Text: Steven P. Harrington and Jaime Rojo    Fotos: Sebastian Kläbsch

Spray Nation. 1980s NYC Graffiti Photographs. Martha Cooper 2022

Spray Nation ist eine großzügige Sammlung neu entdeckter Fotografien, die New Yorks goldenes Graffiti-Zeitalter dokumentieren, und stammt von einer der berühmtesten visuellen Dokumentarfilmerinnen. Mit Hunderten von Seiten neu veröffentlichter Fotografien aus den Archiven, aus denen auch ihr Buch Subway Art with Henry Chalfant stammt, zeigt das Buch bisher unveröffentlichte Bilder von Tags, Throw-ups, ganzen Autoteilen, Porträts von Graffiti-Writern und sogar einige prominente Aufnahmen aus jenen glücklichen Tagen, als Graffiti in der Galerie- und Ausgehszene im New York der frühen 1980er Jahre zum ersten Mal Fuß fasste. Zusammen mit dem Graffiti-Historiker Roger Gastman hat Martha Cooper ihre Tausende von 35-mm-Kodachrome-Dias durchforstet, um ihre Fotosammlung neu zu bewerten.

Wenn man bedenkt, wie einflussreich die Graffiti-Szene in den Jahrzehnten nach dieser ersten Explosion in den New Yorker U-Bahn-Zügen weltweit wurde, bestätigt das, was sie hier aufdecken, nur die grundlegenden Praktiken und Stile dieser ersten Graffiti-Writer. Diese (meist) jungen Sprayer und Marker bemalten Züge illegal und heimlich, um sich in einer oft chaotischen, geschäftigen Stadt, die sie zu übersehen schien, ein visuelles Territorium zu sichern. Sie sprühten, um für ihren Namen zu werben, Territorium zu beanspruchen, neue Ideen zur Diskussion zu stellen und schließlich ihre Altersgenossen mit Kunststücken zu beeindrucken, die ihre Sportlichkeit und ihr Geschick, Gefahren zu entgehen, unter Beweis stellten.

"Marthas Fotos haben die Erzählungen der Graffiti-Writer öfter bestätigt, als ich zählen kann", schreibt Gastman in seiner Einführung. "Sie sind wie dieses verrückte Highschool-Jahrbuch. Folglich ist Cooper derjenige, den jeder Graffiti-Writer, -Fan, -Sammler und -Forscher unbedingt sehen will."

Wie der Titel schon andeutet, verbreitete sich die Praxis des Graffiti-Schreibens in Städten im ganzen Land, und diese neuen Aktionsaufnahmen von Wänden und bemalten U-Bahn-Wagen wurden ausgewählt und digitalisiert, um die Bandbreite der Stile zu zeigen, die bald folgen sollten. Als ausgebildeter Ethnograf und professioneller Nachrichtenfotograf präsentiert Cooper eine Stadt so, wie sie ist, ohne unnötige Schnörkel oder anmaßende Erzählungen.

Die Essays von Roger Gastman, Steven P. Harrington, Miss Rosen, Jayson Edlin und Brian Wallis bezeugen die Bedeutung der sich entwickelnden Graffiti-Szene und die Rolle von Coopers Bestreben, diese flüchtige Welt mit einer einzigartigen Vision zu bewahren.

"Martha fotografierte gemalte Züge und B-Boys, weil sich damals kaum jemand die Mühe machte, dies zu tun. Sobald die Leute das mitbekamen, sah sie ihre Aufgabe als erfüllt an", schreibt der Graffiti-Autor und Historiker Jayson Edlin in seinem Essay. "U-Bahn-Graffiti starb allmählich aus, während die Straßenkunst aus ihrer Asche aufstieg. Desinteresse, Drogen und AIDS dezimierten den kulturellen Höhepunkt von New York City, seine hellsten Sterne starben, bevor ihre Werke siebenstellige Summen erreichten - Leben, die so vergänglich waren wie unsere Werke in der Bahn."

            Text: Steven P. Harrington & Jaime Rojo/BrooklynStreetArt.com   Fotos Eveline Wilson

BANKSY IN NEW YORK. Ray Mock. 2019

Im Oktober 2013 "beschenkte" der britische Straßenkünstler Banksy New York City 31 Tage lang mit täglich neuen Überraschungen auf den Straßen aller fünf Stadtbezirke und bezog so die Bürgerinnen und Bürger in seine selbst gestaltete Künstlerresidenz ein. Es ist Tradition, dass Graffiti-Writer in New York behaupten, sie seien "all-city", und der Autor Ray Mock hat die Tags, Fill-ins und Pieces von Hunderten von Writern als Ein-Mann-Dokumentarist von Graffiti beim Carnage NYC Publishing erfasst. Hier verfolgt er die täglichen Bewegungen von Banksy durch die Stadt, um die üblichen, ungewöhnlichen und oft witzigen Aktionen eines der berühmtesten, aber anonymen Straßenkünstler und seines mutmaßlichen Teams von Assistenten, Schauspielern und Performern zu dokumentieren. Jede Installation hat eine Geschichte, die sozial oder politisch ist, oft mit einem tiefen Sinn für Kritik.

Banksy in New York ist gut illustriert mit Aufnahmen der seltsamen und interessanten Installationen seiner "Better Out Than In"-Show, die über die sozialen Medien enthüllt wurden. Er fängt auch die Szenen ein, die manchmal zu einem Chaos führten, als sich in den sozialen Medien herumsprach, dass ein neuer Banksy aufgetaucht war. Für einen New Yorker, der stolz auf sein Revier ist und die zunehmende Popularität der Straßenkunst genau beobachtet, untersucht Mock die verschiedenen Installationen und versucht, die Kunst und die Ereignisse aus erster Hand zu beschreiben, damit der Leser das Gefühl hat, dass er versteht, wie es war, dabei zu sein.

Das Buch fängt ein, wie das Banksy-Team mit Absicht, Witz und Schlagfertigkeit einen neuen Standard in der Welt der Straßenkunst setzt, indem es eine direkte Verbindung zwischen seiner digitalen Präsenz und den parallelen physischen Kunstwerken herstellt, die eine stadtweite Schnitzeljagd, Puppen, Theater, Performance, Überraschungen, Rindfleisch auf der Straße und ein paar Straßenschlachten umfassen. Es scheint, dass Mock nach einer Karriere als Graffiti-Jäger ebenfalls überrascht und verwirrt ist.

"In den letzten Jahren habe ich hauptsächlich Graffiti fotografiert, vorzugsweise schmutzige, mit Tags versehene Türen, mannshohe Fill-Ins, Güterzüge und illegale Pieces in verlassenen Gebäuden oder entlang von Bahngleisen", sagt er in der Einleitung zu Banksy in New York. Darin wird die "Residenz" kurz, aber in vielerlei Hinsicht umfassend festgehalten, einschließlich Details wie die Verunstaltung seiner Werke, ihre Entfernung und die Reaktionen von Gebäudebesitzern, Nachbarn, Banksy-Fans und -Feinden gleichermaßen.

            Text: Steven P. Harrington & Jaime Rojo/BrooklynStreetArt.com        Fotos Eveline Wilson